易被忽视的五大混音细节（上）

amati

易被忽视的五大混音细节（上）


混音初学者经常会忽略某些细节，这些细微之处会阻碍他们满足客户的需求和听众的关注。




混音初学者经常会忽略某些细节，这些细微之处会阻碍他们满足客户的需求和听众的关注。

别担心——混音需要练习，还有耐心！无论你是才华横溢的爱好者还是新手混音工程师，在下文中你都会了解到大多数业余爱好者容易忽略的5个最常见细节，有望缩短你的学习曲线。



1. 正确处理空间效果

在乐器和辅助轨之间添加混响和延时作为氛围效果后，对于瞬间被占用的大量声音空间，许多制作人往往视而不见。

要避免这种情况，对于空间效果与主奏乐器，你要付出相同的关注。我们来看一些提升这些基本效果的快速技巧。

技巧1：给混响着色
对于初学者来说，混响预设是一个很好的起点，但是未经过调校的效果缺乏色彩，通常令空间呆板而毫无生气。如果你的主音合成器或吉他具有这些相同特点，那么一点饱和或轻微的失真会使信号活跃起来，而且类似的概念也可以应用于空间效果。比较一下下面的贝斯示例，听听Aphex Exciter如何为TrueVerb添加工业化泛音。

混响贝斯 vs 混响贝斯+Aphex Exciter音频





技巧2：调制混响
混响本身通常会随着线性的可预测性而消失。移相器、镶边器和其他调制器添加了额外的运动对位，可防止混响随着时间的推移而不再新鲜。比较下面的示例，看看MetaFlanger的宇宙效果如何让吉他变得更好听。

混响吉他 vs 混响吉他+MetaFlanger音频


MetaFlanger



技巧3：从混响中提取声音细节
混响会创建出不易察觉的异常声音，也就是人工修饰感，而大量使用EQ提升或饱和等工具会使之变得更清晰，并令真正有意思的声音质感处于干信号之下。听听下面API 550和Abbey Road Saturator用于人声时，从Abbey Road Reverb Plates中带出的空灵光泽。

混响人声 vs 混响人声+EQ+饱和音频


Abbey Road Reverb Plates、API 550
和Abbey Road Saturator带来空灵光泽。



技巧4：关注空间元素
众所周知，延时和混响很难控制，但立体成像器、明亮的饱和、轻微的压缩和其他工具可以帮助控制这些难把控的元素，将混音的方向和意图重新掌握在你的手中。听听S1 Stereo Imager的宽度拓展如何增强由H-Delay和Abbey Road Saturator创建的合成器空间效果。

延时合成器 vs 延时合成器+S1音频


S1 Stereo Imager

现在我们已经介绍了几个关于混响的快速技巧。下面我们来深入研究更广泛的应用和实践，我见过不少初出茅庐的混音师和工程师总是会忽略。



2. 正确的增益架构

有一种常见的误解是：增益架构，只是在信号路径上每个放大点实际发生时去设置通道音量，以确保最佳信噪比（避免不必要的失真）。

数字插件可以在不发生数字削波的情况下处理高输入音量，但模拟建模的就不是这样——它有助于通过适当的增益架构精确实现更温暖更饱满的混音。不要只看内部表头，还要同时注意插件之间的音量。

Aphex Aural Exciter

说到插件之间的最佳输入增益量，并不存在什么神奇数字。事实上，它本身几乎就是一门科学。我们只需注意插件之间发生的音量变化，以及它们如何依次对音量波动做出反应。很快，你将完全能凭直觉控制输入并使用染色工具，就像我使用CLA-2A在主奏部分上添加力度一样。

CLA-2A



3. 巧妙利用宽度

声相和立体声成像器可以很好地在混音中实现宽度，但如果单独依赖它们，最终仍然会带来不专业的结果。根据声道之间的差异，我们能定义声音的宽窄，利用这一原则，我们可以提高混音的宽度，同时保持动态余量，避免奇怪的相位问题，并创造出更全面的聆听体验。

让我们深入研究一些巧妙的方法，来实现超宽声音。

技巧1：用分层体现宽度
在为宽度分层时，要有目的地选择声音，可以在整体声音中创建出有趣的立体声摆位（甚至是运动）。当堆叠声音以在混音中实现宽度时，你必须专注于组合互补的声音，而不是依赖相同的音色。

这些声音中的每个（建议不超过三个）都必须足够独特，以便在立体声场中的位置上产生明显区别。两个相似声音处于左右声相，会导致立体声位置中每个声音的边界不够明确。

基础分层合成器 vs 复杂分层合成器音频

上面的第一个例子由两个听起来相似的合成器组成，声相摆在了左右两侧。下面的示例，声相右侧是合成器的ADSR、滤波器，音色已经过调整达到了互补。这种分离在耳机上尤为明显，因为通道之间通过两层建立出了明显的区别，从而产生了更宽的最终结果。

技巧2：用对比体现宽度
让我们更进一步。注意，通过把混音的正中心与其极左极右两侧并列，我们也可以感知到宽度。在你的混音中设置基准点是实现这一目标的好方法，让我们看看是如何完成的。

听下面的示例，一个没有任何立体声摆位提示的主合成器。你可能会粗略地听出它是在混音的中心，但又缺乏具体的概念。

合成器（单声道）音频


始终准确了解声音元素的位置，以免失去对混音的控制。

现在，让我们通过添加单个打击乐层来设置一些基准。再听这时的分层效果，因为两个沙锤音色的互动被平移到混音的左右两极。

合成器（单声道+沙锤声相提示）音频


作为基准的沙锤音色为我们提供了背景信息，让我们知道主合成器是位于正中间。

用耳机聆听，有助于你注意到沙锤建立起的基准如何使混音明朗，并通过比较使其感觉无限宽。这对于不需引起太多注意的微妙声音是最有效的，比如琶音器的断奏、打击乐的魔鬼音，和悦耳的细微元素，因为你希望听众的注意力能集中在混音的前方和中心。

技巧3：以叠录制造宽度
音轨叠加是为原声录音增加宽度和丰满度的常用方法，但也可以通过巧妙使用律动模板进行复制。用音频采样是完美办法，但其最大的缺陷是，就其本质而言，它们的音频形态被不可改变。

但是所见并非总是所得……

吉他Loop音频


这轨吉他循环的波形看起来又窄又无聊。

两个几乎相同的录音一起播放的话，能产生出更厚更宽的声音。律动模板在时间和速度方面提供了类似的变化，因此你应该在音频采样之间制造充足的变化，以给人一种两条轨道堆叠在一起的印象。

吉他Loop+律动模版变化音频


请注意律动模板在同一循环中带来的细微变化。

MIDI文件和VST也可以利用到这个技巧。只需复制MIDI通道，在其中一个的律动上稍加变化，保持另一个不受影响。你需注意CPU是否会过载，确保在必要时冻结轨道。