缩混--关于乐器的摆位和混响的初步使用（上）

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缩混--关于乐器的摆位和混响的初步使用（上）
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非常抱歉，已经将近一年没有继续写教程了，一是因为太忙，二是总能不断发现自己在缩混过程中存在的一些缺陷，所以也就一直没有写。到现在，已经实在不忍心再拖下去了，就算仍然有缺陷，也仍然把我所知道的写出来，望大家指正以及共同讨论。

) B% o1 ]7 v: K9 M1 x* V上一次，我讲到EQ的时候，曾经说过，对于EQ的调整，可以改变声音的距离感。最显著的做法是降低声音的高频，能够使声音听起来更远。但是，这样的做法显然是不适合当今的流行音乐缩混的。因为，现在的流行音乐，越来越多的追求声音的细节，以及音乐的响度。而对于音色之中高频的衰减，会丢失音色的细节以及损失音乐的响度。相比之下，用EQ辅助调整声音距离感的做法，更适合用于影视作品的缩混。
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现在，言归正传，说一说流行音乐的乐器摆位。首先，要明确一点，除了BASS DRUM和BASS具有比较常规的摆位以外，其他的乐器几乎没有什么在摆位上的规律。
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5 G0 J, C. ~& d- G5 o8 ]: C那么，首先，就来说BASS DRUM和BASS。曾经有人说，这两种乐器不能摆放在完全相同的相位上，会导致两种乐器声音的模糊不清。我个人不同意这种说法。因为在当今的流行音乐中，BASS DRUM和BASS本来就是可以当作同一件乐器来处理的。两种乐器都是整个音乐的基础部分，而且，都具有那么多相同的频响。如果硬要把他们分开的话，会导致音乐的基础部分不稳定，并且使整个音乐欠缺凝聚力。既然是基础，那么，他们在常规的音乐缩混中就要摆放在最中间的位置。

然后，我们再来摆放同样最为乐队基础的其他打击乐部分。首先是SNARE，在早些年，大部分的音乐中，把SNARE放在音乐的偏右方向，也就是大概1点到2点之间的位置。这是为了体现其临场感。SNARE在现场摆放时，大部分摆在鼓手的左手边，但比HI－HAT偏右。也就是在观众的偏右方向。但是，在右边的SNARE会使音乐的冲击力降低。现在的流行音乐中，如果要求乐队的大冲击力，就有越来越多的时候把它摆在中间。由于SNARE和BASS DRUM处于基本完全不同的频段，所以不用担心会相互之间产生干扰。但是，如果是JAZZ或者一些非常柔和的音乐风格，那最好还是把它摆在偏右的地方。
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, j2 m# |% M' Z3 @% X7 k& k7 j- t下面是HI－HAT，HI－HAT需要摆放在右边的地方，大概在2～3点的地方。原因我想不用我多说了吧？现在还有的时候会有两轨HI－HAT，分别在左右两边，打击的节奏不完全一样，有点类似DOUBLE的感觉。

! y- B2 z. J6 @& F, F接下来是TOM，大家如果用的是音源里出来的声音，那么，直接按照音源里的声相摆位录制成为立体声即可。如果是从录音棚里录的真TOM，那么，所用的鼓三通或者四通的比较多。如果是三通，那么高通摆在12点～1点中间的位置上，中通摆在10点半～11点半的位置，地通摆在9点到10点的位置上。如果是四通的鼓，则需要把最高通摆在1点半～2点半的位置上，其他的和三通的一样。

0 K5 F* s9 O" g5 |最后是CYMBAL，大部分的情况下，我们会使用其中的三个，最左边的、最右边的，和中间的。同样，如果是音源里的声音，那么，直接录制立体声轨就可以了，如果是真正从录音棚里面录的，要记住，它们和TOM的摆位几乎是相同的，但是不同的是，CYM的最左边的一个，比TOM最左边的一个还要偏左一些，右边的也要偏右一些。
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% B7 z2 ]: k" i. J! E( j% ~: x3 o此外，还有一些其他的打击乐，比如COW BELL，BELL DRUM等等，大家可以根据平衡的原则随意摆放，并没有什么特别的规则。但是，所有的打击乐在摆位完成以后，整体听起来要有平衡感，不能有任何一件乐器特别的突出，或者从整体的声相中脱离出来，原则上讲，打击乐不会有任何一件乐器处在音乐的极左或者极右的位置。
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接下来，我来说说一些其他乐器的摆位。首先是钢琴，现在用真钢琴的情况已经越来越少了，如果是音源的钢琴，大部分就维持其在音源中的声像就可以了。不用特别摆位。

/ Y+ T5 G1 g" P: [* P' r/ X& `  Y- i然后是吉它。一般情况下，打底的吉它有两轨，可以摆在一左一右，而其在左右的程度，则视音乐风格来定。普通的流行音乐，可以摆在左右70％的位置，这样可以使吉它更好的融合在其他乐器里面。但是这样也有另一个问题，那就是如果有相同音色的吉它SOLO，如果摆位不当，就可能产生声场模糊不清的现象，可以这样解决，当SOLO出现的时候，可以把打底的吉它略向左右摆一些，空出更多中间的位置给SOLO。
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如果是R&B或者一些UNPLUG风格的东西，甚至于是TRANCE，都可以把吉它摆在极左和极右。这样更有利于突出每一件乐器的细腻感。

其实，如果从原则上来说，每一件乐器摆在哪里，都是可以的，因为缩混本来就是一个再创作过程。但是，如果你不想让乐器听起来很浑浊的话，那最好能在摆位上多动动脑子，让他们听起来有些区别。而不是乱糟糟的堆在一起。

. }' C+ }: h% _$ H那么除了左右以外，乐器的摆位还要分出前后来，这样，才能形成一个有立体感的空间。那么，前后就是用混响器来作的了。

% N/ g- g( p4 ~6 d! I8 T首先，我先来说常规的混响器使用方法。混响器通常包括以下参数：房间大小，早期反射时间，混响时间，早期反射与混响的比例，混响密度，高频滚降时间以及低频滚降时间等等，有些还可以调节混响的高中低频段的比例以及频点。
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在最基础的混响使用中，要确保绝大部分的主要乐器使用相同的混响参数，仅仅是混响比例不同，这样，才能造成所有乐器在同一个空间里演奏的效果，否则，就会造成空间感的混乱。当然，一些特殊效果的声音除外。那么，接下来，就是调整声音的远近了。那么，到底什么样的声音应该放在最近的地方，什么样的声音应该放在最远的地方呢？

下面，我提供一个最常规的摆放方法，仅供大家参考，有些时候，乐器的远近和现场的乐器远近并不完全相同，比如，CYMBAL，在整个的鼓组当中，它是被放在最前面的，但是，我们在缩混的时候反而将它放在鼓组的最后面，至于原因，因为它的高频非常多，如果放在前面，会导致整个音乐太炸，甚至会影响到人声。那么，最前面是什么呢？是BASS DRUM和BASS。往后是SNARE，再后PIANO和GUITAR，然后是HI－HAT，CYM，弦乐群一般放在最后，对乐队形成一个整体的包容感。当然还有一些铺底的音色，和弦乐是放在相同的距离上的。SOLO乐器基本要和SNARE放在相同的距离上，为的是更明显的突出SOLO。
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那么，似乎这个章节讲到这里也就没什么更多好说的了。说到最后，就是，摆位可以随便摆，远近也可以随便放，最重要的是整个音乐的个性和均衡度，在这两者中，无法辨别哪个更重要一些，音乐不能没有个性，也不能没有均衡度。看你怎么去处理。

另外，这个章节既然说到了混响器的使用，就要说得全面一些。

几乎所有人都知道，混响器的作用是调整每一件乐器或者人声在声场中的距离的。但是，并不是所有人都知道，混响器和EQ以及压缩器一样，也是作音色的手段之一。因为每一种声音在不同的混响条件下发出来，听起来是不相同的。那么，我们可以用混响器的某些条件，比如：混响时间、反射时间，或者混响和反射的比例等来制造出不同听感的音色，然后再将这些音色融入这个乐队中去。但是，对于这样的要求来讲，PC机上的软件混响，就显得有些无能为力了。只好依靠硬件混响，或者基于DSP运算的混响了，比如PROTOOLS HD，或者PULSAR等等。
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* m5 l. \. B- O5 K! b$ P3 `: y" ?8 J到今天为止，整个教程已经陆续的写了一年了，既然是基础教程，我也已经把一些基础的东西都说得差不多了。这一年当中，感谢大家对我的支持和敦促，才让我有毅力把教程写到今天。谢谢大家！

6 G5 [, I) Q6 X9 x2 X5 }5 i在所有的教程当中，我省略了压缩器的使用，因为驴半仙的《动态神功》一文已经写得很清楚了。
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& A! w! c" I: `6 b如果再往下写，就不是基础教程了，而是高级教程了，说到高级教程，我想我还没有资格去写。因为，比我好得多的制作人或者录音师太多了。在明白了录音的各个基础部分之后，我想大家就已经能够去发挥自己的想象，来制作出自己想要的作品了。