4 个制作「真」弦乐的技术

7627168 · 发表于 2019-9-21

4 个制作「真」弦乐的技术

这种情况对于身为音乐人的你会不会很熟悉：你刚刚写完一首史诗级管弦乐大作，但是（midi挂上音源后的表现）听起来根本完全不带感，这与你想象中的“美轮美奂，天籁之音”差之千里。
从某种意义上来说，这个完全不带感可以理解为“假”（不真实）。尽管现在的管弦乐采样的质量是非常之高，甩前几代几条马路（以前的管弦乐采样音源真的太假了），但是我们仍然会遇到这样的问题：怎么样才能尽可能地把这些采样变成一只由“活人”（真人）演奏的管弦乐队。这个问题经常被放到台面上，尤其是现在的管弦乐队制作人（事实上，流行乐制作人也会使用到弦乐），也像我们那样，期待那些价值400刀以上的弦乐采样库，能够完美解决声音“假”的问题。
值得庆幸的是，能够把管弦乐的表现变得真实，真心并不难，甚至可以说还有点小小的容易。我们所需要的是只是一点小技巧以及对其进行精心的混音。在我们正式开始之前，我们所需要知道的是，用管弦乐音色来实现完全的真实，这本身就像个兔子洞一般错综复杂（狡兔三窟，想象一下一个洞连着三个甚至无数个洞），尤其是我们不得不把管弦乐中各个乐器组分开来处理，其工作量是十分惊人而复杂的。而今天这个教程，我们将专注于：把管弦乐变得更加真实的基础知识。
每个技术的讨论都会附带一个DNA播放器，这样你就可以听到到底是怎样的效果了。你可以随意地拼接任何DNA播放器来打开你自己电脑的Logic Pro X工程，该项目包括Kontakt instruments渲染后的音频文件以及相关的midi音轨。如果你自己拥有Kontakt 以及一个管弦乐音色库，我强烈建议你用自己的采样来尝试这些技术。在本教程中，我使用的是symphony strings Essentials以及Kontakt 5。
1.写出能够被真实演奏的弦乐
要让弦乐变得真实的最重要前提是：真实而“正确”地进行弦乐写作（创作）。当你在DAW（音频工作站）进行创作的时候，因为midi给予了你可以在一块白板上做任何放飞性质的“涂鸦”能力，而这项能力会很容易使你大意：你一旦迸发灵感，就会进行随心所欲，天马行空般地进行创作。而这又是一个创作管弦乐时候的常见陷阱，随之而来的残酷真相是，那些在想象中的，美丽得一塌糊涂的部分可能根本不能被完整地演奏出来，哪怕你叫来世界第一的演奏家也不行。
首先要考虑的是乐器真实的音域范围。弦乐有一个更广阔的音域演奏范围，并且通常情况下，演奏极高音域时，声音会听上去会很紧或者很薄（并且可能演奏起来很吃力）。对于音乐家来说演奏低音域部分会更加容易（并且声音的饱满度也有很大的保证）。当然，我不是说极高音域部分是禁止音乐家去演奏的，我要说的是：要记住高低音音域的音色与表现力是完全不同的。
这个图表概述了每种乐器的音域范围：

上图中这些乐器的范围都是近似值。当然，也存在这种情况，某些弦乐器能通过调音或者进行音域拓展的方式可能会超出这个范围。
接下来，我们将介绍编排弦乐部分以及基本的四部和声写作。没有人指望你能马上从小白变成乐理大师，但是如果你感兴趣的的话，我真诚地鼓励你应该去读一读。
既然我们知道了各个乐器的音域范围，我们可以把他们进行分解，并着手思考如何为他们写各自的声部。把弦乐部分看作是一个四种不同人声组成的紧密整体：女高音，女中音，男高音以及男低音，这样会更加帮助你来更好理解他们。我们通常把最高的音域部分给到第一小提琴组，而把第二高的音域部分给到第二中提琴组（译者更正，应该是第二小提琴组），把第三高的音域给到中提琴组，把最底的音域给到大提琴组。贝斯组通常能够给予大提琴的低音效果加倍，尽管低一个八度音阶，但是给予乐团一个更坚实的（低音）基础。
要记住，让你变得更加厉害的永远是实践而不是死记硬背规则。例如，让第二小提琴组交叉第一小提琴组的音域范围，能够带来一个戏剧性和极其有力的效果。有时我们可能会遇到这种情况，我们需要使用弦乐的高音组来创造一个十分具有紧张感的和弦。这可以营造一种肆意且极具情感的效果，但是这需要使用分奏（divisi）或者进行（分段）来实现，而且并不是所有音色采样库都有这个功能。遵循这些指导原则将为你打下写出强有力的弦乐部分的坚实基础。
2.使用力度（以及表情）
第二个能把弦乐演奏变得更加真实的重要技能是：适当使用力度以及表情。当你在现场聆听音乐家进行弦乐演奏的时候，你会非常明显地注意到每个音符都会以不同的音量进行演奏。我说的可不是不同音符之间的细微变化，敲黑板，这个非常重要，我说的可是演奏家使用的极具自然演奏属性的音量包络线（natural volume envelope）。
管弦乐队中的音乐家，尤其是弦乐的演奏家，会以自己独特的方式来感知节奏，他们拥有能够感知节奏强拍的能力，但是他们的强拍并不意味着都是最大的音量。他们有一个起始时间（attack time）来让音符达到最大音量。在更加有力的演奏部分中，这个音头会更加具有跳音的感觉，并带有一个长连奏（legato ）的连线。
首先，你必须理解你的音色库是如何处理你的midi力度的。大多数的音色库使用这个力度（velocity）来改变动态的范围。在乐谱写作中，我们用p或者f等符号来表示力度，并且告诉演奏者这一段音乐应该是使用非常轻柔小声地演奏，还是充满力量地大声演奏。小声演奏的音符通常没有太多的高频信息，因此整体的音色会相当的柔和，而大音量地音符有时候会听起来更加尖锐，有力，甚至刺耳。下面，我以两个弦乐跳奏片段作为例子，一个是所有音符都以相同的力度，另外一个是通过了精心力度编辑后的。

跳奏的音符无修改任何力度（都在最大力度上）

跳奏的音符经过力度修改

第一个例子我们可以明显感受到呆板，缺乏感情。midi在编辑了力度之后，情感重新注入进了midi，演奏变得“真”了。音乐有了更多的感觉，而不是听起来很僵硬，像一个莫有情感的杀手。
3.对于连奏的乐句使用表情（expression）
我们如何来同样赋予连奏（legato）的乐句同样的丰富情感呢？我们不能在演奏中改变midi的力度，所以我们现在可以专注于表情控件。表情和力度在某种程度上非常相似，并且他们都会影响到音量。两者最大的区别就是表情可能影响到动态范围，当然它也可能不影响。这取决于音色库中表情是如何被编程的。一些音色库把音量和动态进行了整合，全部塞进了表情控制（有时候是控制轮），而有些音乐库并没有这么做。
我制作好了以下一段连奏的弦乐部分。在第一个例子里，我只使用midi力度变化来演奏乐句。你可以从采样中听到一些有些突兀的音头（冲击力），但是你仍然会感到确认一些真实感。
以下是调制前的音频表现：

经过调制后的弦乐
以下就是经过调制后的弦乐音频表现：

使用钢琴卷帘窗进行小提琴的调整。

在第二个例子中，我加入了一些控制轮信息来自动表现乐句的表情。你能明显感受到情感内容的变化了吧。这也类似弦乐演奏者自身，通过自己对音乐理解，进行自然地真实演奏 - 而我们通过编辑这些乐句来创造更加自然的“真”弦乐。

7627168 · 发表于 2019-9-21

4. 拟人化midi音符
最后，我们需要拟人化我们的midi音符的位置。这是一个和表情编辑相似的概念，我们所做的尝试以及编辑就是为了还原在演奏中，真实所能达到的节拍精准程度。他不需要太多的处理，可以只应用你的DAW中拟人化功能即可，是的，就是那么简单。

拟人化跳奏部分（从动态gif可见明显所谓的“拟人化”了）
一个很有意思的相关例子是，当你让整个弦乐队部分演奏和弦的时候，他们都可以同时地达到强拍，这样其实并不正确。把一个小小的不完美放入演奏节拍中，会有很不错的效果哦，这样才更具真实。以下是两个例子，一个是没有使用拟人化，一个是使用拟人化功能。

专业小贴士：一些音乐库的采样中本身已经录制好了带有自然演奏属性的音色。这诚然是一个好事，但是有时候这种情况也会带给你麻烦，当你试图让你的采样找准节拍的时候，你会花费一定精力去调整。在这种情况下，最好的办法就是通过亲自动手来拟人化midi音符以贴合那些节奏。这个现象在管乐音色库中极其常见。
学习得怎么样啦？
现在，你已经对如何通过编写弦乐以及midi音符来制作更“真”的弦乐有更深的理解了吧。下一步就是混音啦，使用各种效果器，包括EQ，混响等等。在将来的教程中，我们将深入介绍如何使用在管弦乐制作的特定部分使用这些效果器。

442384675 · 发表于 2019-9-23

收藏；谢谢楼主发布啊

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