管乐合奏的概念 2

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合奏前个人准备 - 给乐团团员
　　每一种乐器，要能被好听的演奏，都必须经过演奏者每天持续而有效的练习。不同的乐器有不同的有效练习方法(注一)，请读者请教你的老师，本文不处理这个议题。在这段文字里面要谈的是，为了要达到好的合奏，你必须特别注意怎么样的练习。
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( G2 m3 U$ }  G% c' R( _! L/ M　　首先，所有的演奏都有一个相通的原则：适当的紧张度。这个原则常常被人称为「放松」（所以我们会常听到「你的喉咙太紧了」、「你的肩膀太紧了」等指正），但「放松」这样的说法却也常常容易使初学者误解，以为要松垮垮的嘴唇、松垮垮的肩膀才叫放松；其实不然。上述的指正常常是因为演奏者太紧张，也就是耗用了一些多余的力气来演奏，才提出要放松的说法；其实重点是在于如何维持一个适当的紧张度，用最有效率的耗力方式来发声。维持适当的紧张度，才能发出好听的声音，更重要的是，才会有足够的体力完成一场练习或是一场音乐会。好，那在个人练习时要如何注意有没有适当的紧张度呢？可以粗略的从下面几个面向看出来：用中强或中弱的音量演奏中音域时会不会感觉到紧张？如果会，表示发声方式有问题，快找老师吧。嘴唇用力却发不出声音？肩膀会不自觉的持续上抬？脸红脖子粗却吹不大声？吹点音时舌头很容易不平均，会紧？呼吸时肋间会痛？这些都表示紧张度不正确了，请快找老师。除了吹奏高音域、快速音群、几乎没地方换气的句子等少数情况之外，演奏一首普通曲子的大部分时间其实应该是舒服的，如果你很容易觉得肌肉紧绷，那么演奏方式就可能需要调整了。如果在演奏时发现在一直深吸气深吐气之后有头晕的现象，不必太担心，这是正常的生理现象。

　　第二，音的形状。请不要忘记，你演奏的每一个音都有个形状；一般说来，每一个音包含音头、音的身体、以及音的尾巴三个部分。一般说来，音头（attack）要清晰而干净，音的身体要平稳（包括音准和音量），音的尾巴在音量上会小下来而淡去（fade out）但在音准上不能有变化；整个音呈现的是一个「大头小尾巴」的形状(注二)。然而，不同的乐曲表现上的需求，以及不同的表情记号会要求你在这三个部分作不同的变化。比如说，加了重音记号（accent，如”^”、”>”）的音会在音头attack上特别加重、弱奏时音头attack要特别放轻、fp的演奏在音头和音身的落差会很大、sfz强调的则是音身的冲力（音量）、演奏tenuto时音尾不能弱下、演奏”^”时音尾会消失得非常快、演奏大断奏（staccatissimo）比断奏（staccato）有更短的音身……等等(注三)。重点是，演奏者必须时时注意自己所演奏的音的形状，以满足乐曲表现的要求。草率地吹出不漂亮音形的音，是不负责任的演奏。
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' \6 u2 |7 T2 z0 Z9 ]  X  L　　其次，调音的问题。合奏开始之前把自己乐器的音调好是每一个团员必须的责任。不过要怎么调音呢？平常要如何练习音准呢？如果你是一个在演奏前需要warm-up（热嘴、热手）的人，请你在做好warm-up之后才开始调音的动作；请不要在身体没有达到比较好的演奏状态下就调音，这样是没有用的。好，那接下来呢？直接拿出调音器对着它吹个音然后调整吗？不是的。请你按好指法、吹一个你要调的音，先不要管他的音高，把这个音用最舒服的方式吹出来，让你自己听到最舒服最饱满的声音，再看看调音器这个音的音准如何，之后，才去调整你的管长；再次重复一样的步骤，直到调整管长到可以在这种最舒服最饱满的声音下奏出你要的音准频率为止。调音的过程是要调整乐器的管长，使得在这样的管长下最适当的共振频率符合我们对某一特定共同音准的要求；直接对着调音器吹奏然后调整到所要求的频率往往只是表象的调整（这种藉由嘴唇、喉咙、舌头或是身体其它部分的调整在乐曲演奏时因为旋律或是和声的要求会是必须的，但在为乐器调音时则是不适宜的）。除此之外，每一个演奏者对自己的这把特定的乐器，最好能够把每个音都作以上的检视：吹到最舒服的声音，再看看音准在哪。演奏者必须熟悉自己的乐器哪一个音会高那个会低，再决定哪些可以藉由管长调整、哪些必须经由其它方式（如嘴唇、舌头、喉咙、手的位置）调整，以期达到对乐器最好的控制。

　　再来，所有演奏者都必须训练自己的dynamic range，也就是可以演奏的力度的范围；再说得白话点，就是要训练自己吹得更大声、也更小声。听众所听到的永远比你以为你所做到的要少：你以为你吹的是p，下面听起来是mf；你以为你吹的是fff，下面却在想为什么只听到f。Dynamic range的扩张一方面是为了增加音乐的表现力（张力），另一方面也代表了发声质量的改善：能演奏极大和极小音量的程度反映了肺活量、对气（肌肉）的控制、发声的健康程度（嘴唇、竹片、气柱、鼓皮的振动或是共鸣的完全与否）、以及身体紧张度的适当程度。特别要注意的是，无论吹大声或小声，音准都有可能会偏高或偏低，要特别注意去调整。一般说来，吹大声时若偏高可能是为了用力送气而使肌肉（特别是咽喉部肌肉）变紧而舌根上提所致，若偏低可能是过分压低舌根或嘴唇周围肌肉力量不足所造成；吹小声时若偏高可能是为了控制气流而使肌肉变紧舌根上提所致，而偏低则可能是咽喉或嘴唇太过松弛的结果。这里提到的只是可能原因，每个演奏者情况不同，要找出真正的问题所在还是必须当面请老师指正为是。
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　　再其次，对于速度、节拍、以及节奏的训练，除了频繁的使用节拍器培养对速度的敏感度以及作各种节奏练习之外，笔者在这里要特别提倡一种练习方法：在稳定的节拍（速度）下，依序演奏「一个全音符e两个二分音符e四个四分音符e八个八分音符e四组三连音e四组四个十六分音符e一个全音符」。要特别注意每种分割方式变换时的情形，特别是三连音和其它方式的互换；当沿着箭头方向的练习作到很顺畅之后，演奏者可以试着将上述六种方式随意连接，同样也是要注意变换时是否可以立即而确定的从一种节奏型转换到另一种节奏型。这样的练习如果可以做得很顺畅，那么比较进阶的节奏型如附点、后附点、附附点、两拍三连音、附点四分音符+附点四分音符+四分音符等的演奏就可以颇为准确，也对更复杂的节奏型的演奏有很大的帮助。

$ j" G1 ~: [6 P- Y9 N% K, E　　最后，我想要强调重奏练习的重要性。在上一节里曾经提到，合奏的基本条件是去听。「去听然后调整」这件事情可以在重奏里得到最初级却也最重要的实践。要听些什么在上一节已经提过，不再赘述，这里要讲的是怎么开始学习调整。我们先从最基本的两个相同乐器的二重奏开始讲。先看音准：在开始练习时，我的建议是一个人事先调到准的音，然后吹奏，另一个人再加进来，尝试调整到和原先那人一样的音准。两个音准相差很大时，很明显的可以听到两个不同的音；比较麻烦的是两个音准相近却不一样的音，这个时候，请记得音准的三一律：「我演奏的音和标准音的关系只有三种：相同，高了，或是低了。」两个音准不同的音一起出现时，你会听到「拍音」，这时，请依据三一律，你要不是高了，要不就是低了，倘若不能确定，就随便找个方向调整：如果你吹高一点，发现拍音的频率变慢了，那么恭喜，这表示你猜对方向了，只要继续调整到拍音消失就到达和标准音一样的音准了；相反的，如果你吹高，却发现拍音的频率加快了，那表示猜错方向（你原来吹得就比较高了），这时只要往反方向调整（也就是吹低），直到拍音消失就表示准了。这样的练习作得愈多，你对音准的敏感度就会愈上升，渐渐地，就可以和不同的乐器进行相同的游戏，而且支数可以逐渐增加。两支乐器或多支乐器同时调整也是可行的，不过这是更进阶的事了。在音准调整之后，试着练习「同时一起」吹出音的开头（我们称之为attack），然后「同时一起」结束。然后，试着让两人的音量调整到相似。接下来，试着让两个人的音色接近，两个人一起吹的时候要让它变成像一支乐器在发出声音，而不能是两只乐器各自吹各自的。再其次，请试着用各种音量及音高来作以上的练习。最后，利用演奏简单的曲子，同时注意上述各方面，听，然后调整。到了这个时候，你已经具备了一个好的合奏者的基本能力了！
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注一：虽然本文不讨论各种乐器的练习方式，不过我还是想在这里啰唆地说些话。读者会发现，我在前文用了「每天」、「有效」两个字眼，我想这是很重要的原则。持续的练习能让演奏者的肌肉培养出足够的肌耐力以及适应乐器演奏时的运动方式以达到最有效率的发声，而「有效」的练习方式使演奏者在适当时间内作出最好的训练，以免为了达到表面上足够的练习量却造成过长时间的练习而导致肌肉受伤。
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注二：这样的原则适用于西洋古典传统下的音乐，其它范畴的音乐型式可以不必适用此原则。
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注三：以上所提的演奏原则是指管乐器的演奏，对弦乐器、打击乐器或键盘乐器来说演奏方式会有所不同，但不在本文讨论范围之内。