编曲制作过程三十步

putnam · 发表于 2003-9-18

编曲制作过程三十步
0. 开始。
1. 与客户明确歌曲调性与速度。
2. 尽量收集客户的初期意见，比如，段落总体设计、大致风格要求、特殊乐器需要等。
3. 为歌曲标写和弦，额外设计大致的前奏与间奏。
4. 在编曲软件上录下歌曲旋律，也就是卡拉OK的笛子。
这个步骤很关键，因为在这个步骤之后就等于你做到了：调性已然明确，预留好了前奏与间奏的小节，确定了歌曲的反复顺序，因为你也要演奏重复的旋律。注意：1-2小节预留报号时间，并且最开始的一个小节偶尔会出现MIDI方面的问题；3-10为前奏的八小节，所以第十一小节开始进唱。
5. 编辑鼓并额外设计打击乐，只是编辑有演唱的部分，这个环节标志着歌曲的STYLE与GROOVE确立。
6. 按照KICK的GROOVE来录制BASS，这个环节标志着歌曲的和弦确立。
7. 按照已经存在的两个基础声部来演奏钢琴。
8. 演奏其他和声织体乐器，比如吉他。
9. 综合调整以上四轨的呼吸感。
10. 设计前奏与间奏，包括乐器的配置与和弦的安排与和弦演奏的位置。
11. 录制前奏与间奏的基础声部。
12. 录制全曲的辅助声部。
13. 包括可能的PAD、BELLS、ARP、WOODWIND、BRASS、LEAD、FX……
14. 第二次调整全曲的呼吸感。
15. 面对全曲，找到一些必须去掉的某乐器声部片段部分，比如，间奏之后第一句唱的那小节。
16. 面对全曲，找到一些必须添加的片段部分，比如 B1到B2的转换推动点小节。
17. 录制弦乐，如果有的话。写弦乐谱，如果启用真实弦乐队的话。
18. 删除之前的吉他音轨，如果录制真实吉他的话。
19. 删除之前录制的钢琴，重新录制钢琴，如果需要的话。
20. 耳朵休息片刻，同时清理房间气味。
21. 音量放到相对够大，呼吸着相对新鲜的空气仔细听两遍，不要多，不要少，中间不要因为听到问题而停顿下来。
22. 音量放到尽量小，播放两次，不要太注意听。
23. 第三次整体调整，这个阶段是自身听起来不舒服，但又找不到问题所在的阶段，然后整理上四次听觉中的记忆找到音乐在几分几秒的时候开始让你的听觉产生疲劳，减少疲劳点之前的声部，增加疲劳点之后的声部，在疲劳点后增加全新配置，并在全新配置之后重复疲劳点之后的内容。
24. 随后找到中庸的部分，删除这部分，不必怜惜。
25. 耳朵休息片刻，清理房间空气。
26. 去掉卡拉OK的旋律，检查自己的副旋是否很难听，如果是的话，尽量修改。
27. MUTE掉所有KIT与FX，聆听余下其他全部的任意两轨之间的音符是否有碰撞。
28. 每一个轨道单独导出WAVE文件之后，做简单的平衡。
29. 耳朵休息片刻，清理房间空气，喝水。
30. 再次加上卡拉OK旋律，检查是否还有与旋律碰撞的音符，如果有请尽量修改，如果遇到实难修改的音符，删除这个音符。MUTE掉卡拉OK自己大声的跟随伴奏演唱，输出。
编曲漫谈
编曲漫谈第一篇
提起音乐制作，几年前可能还是我们可望不可及的事。可是在今天，每个人都可以制作自己的音乐。我们很幸运。只要有一台电脑、一对音箱或一个耳机、一块差不多的声卡我们就可以开始创造音乐了。
就是这么简单。只要你会用鼠标，只要你耳朵可以分辨什么是好的音乐。
那么接下来的问题就是：如何为做一首歌做一个听上去还不错的编曲呢？这个问题可能每个人都在问。
说实话，也许没有人能把这个问题说清楚。今天我就在这里胡砍一些，也许某一句能给你一些启发就足够了，呵呵。
做准备
很多人也许在打开电脑后不知如何下手。到底怎么开始呢？
首先要搞清楚自己是为什么来做这个编曲。如果是某个人邀请你来做编曲，那就首先搞清楚这个人需要什么。把自己的想法和对方的意思保持一致。这样才能使别人接受你的音乐；如果是为自己的歌曲编曲或做一段属于自己的音乐，那就简单多了。毕竟自己的想法自己还算清楚。
好了。现在随便打开你的音乐软件玩玩。如果脑子很晕那就曾早关上电脑去睡觉或找朋友喝点。如果状态还算不错。那就基本做好思想准备了。（每次打开电脑都晕那就需要看医生了。）
找感觉
当脑子里有一些冲动的时候那就开始找找感觉吧。前提是你明确了需要编曲的歌是什么风格，需要什么感觉的音色。针对自己有哪些优势可以利用。
我们可以打开一个新的工程文件。加载一些自己感觉靠谱的音色和乐器。随便玩玩。当然先玩哪类乐器是要看自己的喜好和专长了。如果你是一个键盘高手。也许会选择先搞和声乐器。对于我来说我觉得先来搞Groove比较适合。就是先搞一些节奏或鼓的LOOP。这样会让自己保持兴奋的状态。总之，先尝试自己感兴趣的音色吧，这样不至于很快就疲惫。
搭架子
这个环节本人觉得最为重要。因为架构搞的顺畅的话，那接下来的工作就会一路顺风。如果架子搭的很困难。那就会让我很快失去信心。那也只能换个思路，从新开始了。
如果是我，先把歌的demo听上几遍，掌握了他的精髓以后就抛在脑后不要再听。然后在我们打开的文件里开始为所欲为。我首先会把适合速度的鼓loop做一两个。然后在加Bass或者是有些节奏的loop。然后站起来觉得可以翩翩起舞的时候架子基本就OK一大半了。
埋头干
接下来就是想想曲式结构，安排好和声，准备一些也许会用到的音色。把DEMO导过来，将刚才的素材对号入座。当然我们提前做的素材不会完全合适，那就需要我们来付出大量的时间去把不合适的地方搞定。（这个过程是个相对复杂的过程，很多地方可以仔细聊。以后有机会再细说）
相信它
相信你用的音色或音序器。他们并不需要你太多精力去修饰。把更多的精力放在选择更合适的音色上吧。（如果你确定有把握可以使音色变的更合适的话。动手去改变它，那是很高的境界了）
搞破坏
经过不停的修改，不停的思考。也许几天已经过去了。现在听一下我们做的音乐也许已经很象样了。
在这个时候我总会想，我们做的东西是不是太顺了？太规整了？没有毛病也没有特色。（听听国内的大部分流行音乐都是这个样子）
于是，我会立即开始搞“破坏”。加一些奇怪的音色？加一些奇怪的和声？变一下循环次数太多的Loop……甚至把原本的架子换掉。重新开始？
哇哈哈。也许在这个过程中你会得到很多意想不到的效果。
不强求
很多人都有一个苦恼：一些乐器总是做的不像真的。比如吉他、吹奏等真实的乐器。怎么解决呢？最好的捷径就是找真人演奏。因为某些乐器用音源是很难作好的。而且一些需要真人演奏感觉的东西一定要真人来做的。不管怎样模拟的或是采样的想达到真人演奏的效果是不可能的。（有一些地方确实需要这种模拟真乐器音色除外）
例如一套真鼓音色。用BFD等做会做的非常出色。但是比起鼓手录制的还是有区别，毕竟一个死一个活，呵呵。
不能把大部分精力放在做音色上，这个不能强求。不然钻了牛角尖子，自找痛苦啊。（音色玩家除外）
多磨合
好了，现在听听我们的作品吧，很有成就感啊。大功告成？还有很多工作要做啊！
当听着没什么毛病的时候就不要再听了。干点别的，听点别人的歌看会电视剧，干脆出去玩明天再干。隔一段时间后再拿出来听也许会有新的发现啊。这样反复几次更好啊。
如果不着急，隔十天半个月再来继续做，效果更佳。
这个环节过去了，我们的作品基本有些说服力了吧。拿给朋友听听，或许会有一些有用的建议。
做收尾
收尾工作不要轻视阿。整理每一轨不要有瑕疵留下，不该留的效果器关掉啊，做好导出注意电平。最后写一个备忘录，留下这个歌的调性，速度，编曲者对录音混音的建议等等。这样会使下几个环节的人认为你很专业阿，自己也省心。做好备份，上床休息。
编曲漫谈第二篇
说实话，编曲相关的体会是很难用笔纸写清楚的。每个人都会有自己不同的看法和不同的感受。编曲是在音乐制作流程中非常重要的一个环节。他决定了整个音乐的风格及给不同听众的不同感受。他既是组建音乐骨肉的环节也是体现音乐灵魂的重要环节。
上次就编曲的过程谈了一些小观点。其实只是一个简单的流程介绍。说了一些皮毛。如果大家注意一些细节问题并且有些独特的创新方法，那我们做出来的音乐就会很入道并稍有自我特色。这样我们就可以编出完美的音乐了吗？当然不是这么简单阿。首先我们需要扎实的基本功底做基础（音乐理论知识，乐器演奏技法等等）比这些重要的是有丰富的编曲经验、相关音乐素养；如果你曾是一个乐队的成员或参加过很多演出或录音棚的工作等等，那会给你的音乐制作奠定意想不到的基础。还有不可缺少的就是对音乐的个性认识、对音乐的激情、对音乐的美好向往……
上次说到编曲过程是一个复杂的过程，那今天就说一些这方面的事。每个人的制作方式都不同，就从一些普遍问题来说吧：
1 低音与节奏问题：
低音与节奏是我在编曲首要考虑的。因为这个是音乐的骨架。很多音乐爱好者的作品中很容易发现的一个问题就是低音与节奏部分不搭调，或整个骨架和其他部分的韵律不协调。这样的作品听上去就会有节奏混乱、磕磕碰碰的感觉。原因所在就是没有注意到低音乐器与节奏部分的搭配。一般情况人们喜欢先作低音与节奏部分，这样可以使后添加的其他乐器在韵律上保持一致或有相关联系。如果反之就很不容易使整体保持一致。这样就会出现韵律混乱没有大架子的感觉。
当然了。不是说必须先把低音和节奏定死再作其他。只要有一个自己喜欢的韵律出来就可以了，最后很有可能翻过头来修改低音和节奏部分，但是再次修改这部分时要注意其他乐器与之的关系哦。可能要一并修改。
2 复制问题
现在做编曲似乎非常容易上手。因为大部分工作用电脑就可以完成。电脑给我们的工作带来无比的方便，但随之而来的还有很多以前没有的问题。其中一个比较重要的问题就是滥用复制功能。
不管是节奏，各种乐器，只要和声进行差不多就完全复制过去……这样的结果就是导致听起来很死板、机械化、没有动感。复制功能利用不当适得其反。
我们一定要以音乐本身为目的，如果需要变化，一定不要懒惰，把复制过来的东西做以变化，直至适合这个地方的需要。还要说明一点，并不是所有的复制都要有变化。如果一味追求变化也会造成结构混乱等问题。所以说，我们做的一切工作都要一音乐本身为目的，电脑和其功能只是为音乐服务的工具。
3 和声问题
编曲的手法和套路有很多种，几乎每个人的套路都不尽相同。我觉得这个是由编曲者的专长和制作风格而定。键盘编曲者一般会先搞和声进行。
和声进行在音乐里是一个重要环节。所谓和声进行就是把单个的和声连接在一起。就是一系列和弦演奏的过程。我们要研究的就是这些和弦在进行过程中的相互关系。一些初学者和一些“和声痴迷者”都会不经意的范一个很严重的毛病。那就是只注重了和弦本身的表达而忽略或者是根本没有研究和声进行的意义。听他们的作品单门一个和声很独特，或是7、9和弦。或是各种转位等等。但是听整个段落，或者听整首音乐就会发现这个和弦并不适合放在这里。我们要从整体作品入手来安排和声进行的构架。这样才能使整体的和声环境统一，好听。
要杜绝那种对和声小有研究就滥用复杂和弦的事。这样只能让人觉得作者比较幼稚而不会有人称赞某个和声多么各色。这也是一个很常见的问题。
4 音域问题
编曲这个工作需要研究的东西很多。对乐器及音色的研究就是必不可少的功课。这也是很重要的科目。
真实的乐器都会有自己的音域，根据他发声原理不同而音域不同。如果我们使用音源来模仿真实乐器，那这个问题就需要注意。如果我们要写一些管弦乐队演奏的部分这个问题就更加需要注意。合适的音域才能是乐器表现他可以表现得音色。如果我们拿总谱去管弦乐团录音时。却被乐手指责说某某音根本不存在，那这样的尴尬可就不好玩了。
如果我们要写一些真实乐器演奏的部分。那就先仔细研究这些乐器演奏法的知识吧

audioapp · 发表于 2016-1-8

5 真实乐器的演奏方法问题
接着上面说，听一些初学者的作品，往往会发现一些很别扭的音色，仔细听一下，很有可能就是一些真实的乐器没有注意到他的演奏法导致的。比如说弦乐的各种弓法，还有各种表情符号、强弱关系、演奏方法的细节。如果真想玩好真实乐器编配，那就先研究一些相关知识吧。
6 曲式结构和段落衔接问题
曲式是另外一门需要我们研究的学问。现在流行的音乐可能没有很复杂的曲式。但是合理安排每个段落及各种前奏间奏等等的关系也是相当重要的。合理的曲式结构可以使听者非常舒适的欣赏你的作品。心情随之起伏。
段落衔接也是很重要的。尤其是用电脑编曲的人很容易忽略这个环节。用简单的复制而导致段落之间衔接生硬。解决这个问题的方法很多，要看作品本身而定。但宗旨就是我们是在做一首整体的音乐和不是一些音乐片断的组合。
7 乐器组织问题
这个问题是涉及配器法的问题。要想使音乐好听，这个问题也需要我们来研究。一些乐器或音色组织到一起将产生什么样的声响和色彩，我们要长期实践来摸索。
一个常见的问题就是，作者总是觉得自己做的东西不够圆满，从而不停的往里加音色。结果适得其反，越加越乱，没有整体。我们要保持头脑清醒，研究每个音色相互的纵向关系。发挥音色的内在交叉力量。往往大师作品并不是想象的那样复杂。他们只是充分发挥了音色的功效。
8 频响范围问题
频响这个词在录音师和混音师嘴里经常听到。他们会注意每个音色的频响范围。作为编曲者，这个问题也要注意。我们要基本知道每个音色在某个音域的大概频响范围。或者说我们在音乐里需要什么样的频响来满足整体音乐的需要。
一些作者的作品中虽然音色用了不老少，但是听起来还是很单薄，不能使听者很舒服，原因就是在此。他没有注意到使用音色的频响范围，也没有设计好所做音乐的频响布局。只有我们前期的编曲素材注意到了这一点，后期的混缩过程才能更好的来完成频响布局工作。如果我们的编曲就缺失很多频响内容，那混音师会很头痛。
9 电脑编曲的生硬问题
很多人都会认为用电脑编曲的作品会很生硬，这个“生硬”的概念很宽泛。造成生硬的问题也有很多。以上说过的一些问题也出于此处。解决这个问题也需要多方面的努力。但是我们要有一个宗旨就是电脑只是编曲的一个工具而已。一些他可以胜任的我们就采取。他做不完美的也不要强求，需找其他办法来解决。不要强求某个合成器可以完成所有的工作，不要强求某个软件可以始终表现最好。我们要以音乐本身入手。这样就会使这个问题迎刃而解。
10自我角色问题
在编曲过程中我们要变换不同的角色来完成我们的工作。在编曲过程中我们是个乐器演奏者、指挥者。在完成编曲时我们更要成为一个听众。保持客观的心态来鉴定我们的作品。这样才有利于更好完成它。甚至我们还要作为一个批评者来审视它。
以上是一些比较共同的编曲问题的讨论，一开始就说了，编曲是一个没有定论的事。不可能有一个完美的教程。还需要我们自己去做自己的套路，这样才能做出属于自己的音乐。以上言论都是一些简单的叙述，篇幅原因以后可以针对细谈。只是一些个人看法仅供参考。
编曲漫谈第三篇
今天说一下音乐的配器结构相关问题。不管什么风格的音乐，都会有自己的结构。都会有组成音乐的各种乐器或音色以及人声。
很传统的教程中有一科叫“配器法”大多讲的是交响乐里乐器编配法则。如果有机会我们可以研究一下这些教程。交响乐队的配器法比较深奥而且比较死板。毕竟当时的音乐都很传统而严肃。我们可以多看其中关于乐器音域、乐器演奏技法、乐器配合方法等章节。对于80年代出品的那些电声乐队配器方法也没什么好学的。作为初学者可以看看其中关于电声乐器的介绍。
现在很少有人来写关于现代音乐配器的教程，因为很难写的清楚。现在的音乐可谓是五花八门、个性十足。已经不是当初可以数清楚乐器数目、听清楚乐器音色的年代了。
作为声音的组成，比较大众的说法就是：音色、音高、音量、音值（概念名称在不同领域有不同的叫法，但是说明的问题是一致的）每个声音都有这四个要素。
音色说的是声音的特色，也就是说某个物件发出的声音和其他物件发声都有区别。很容易理解，吉他的音色和钢琴有所不同、敲木头的音色和敲铁块的有所不同；音高说的是人们对声音调子高低的感受。物理上讲音调取决于声波振动的基频（指基础的频率，相对于泛音而言）的高低。振动的频率高音高就高，反之则低。吉他的1弦和6弦空拨的音高就不一样，每个乐器都可以演奏若干不同的音高。从他最低音到最高音就是他的音域；音量这个很好理解，就是声音能量和强弱关系。主要取决于声波的振幅大小。在钢琴上同一个键用小力度和大力度敲击，发出声音的音高是不会变的但响度会有变化；最后还有音值说的是声音持续的时间。这个不用举例也很明白。
哈哈，不愿意多讲理论。不过了解了声音的要素就会明白，我们听到的每一个单纯的声音确实就是这样组成的。那我们的编曲工作也就是把很多不同的声音组合到一起。这样就可以成为音乐。
我们听到的大部分音乐都有一些共有的声音特性。比如大多都会有低音乐器、高音乐器及中音区乐器；和声乐器、旋律乐器、节奏乐器（或音色）等。用不同的方法安排这些乐器音色出现就是配器的方法。所谓方法就是把这些独立的声音结合到一起，使他们互相作用，互相结合。
我们常听到的音乐中都会有节奏、低音、和声、旋律等组成，如果我们是为一个旋律来编曲，我们要首先注意这个旋律的特色和需要。这样我们可以组建一个基础的节奏型，我们可以尝试用这个节奏来唱一下旋律。很容易感受到旋律与节奏的关系。这是基础。但是也要考虑节奏的特色。用一些独特的节奏型来提旋律的味道。有没有想过换一些节奏乐器的音色呢？同样的节奏型也会有不同的感觉。
接下来就是把低音加进来。低音中最主要的是BASS。当然BASS的音色也有很多种。低音的主要作用有两个：一是奠定和声基础，二是与节奏部分共同奠定韵律基础。这些都很重要，我们要注意它和节奏部分的相互作用关系，从而完善重音关系和韵律。最简单的方法就是把节奏的重音部分加BASS的重音。这样出来的动静会很整也很舒服。我们可以在需要的时候将BASS的重音与节奏的重音错位，会有特殊的效果出来。当然还要注意它与其他音色部分的关系。同时他的音高也是奠定和声基础的重要因素。因为低音给人的试听感觉就是基础和环境的概念。我们要安排我们的和声是什么根音或是否转位，相同的和声采用不同转位的低音，效果是完全不同的。（可以参考相关和声教材）
下面说一下和声。这也是音乐组成的一个要素。补充一点，这些要素在不同风格的音乐当中或者说在不同的音乐人手中都有不同的地位和重要性。像JAZZ及相关风格就很注重和声部分。反之像HIP-HOP及相关风格就比较重视节奏等等。。我不太想把音乐分门别类。可以说要看音乐人自己的把握，到底那些因素的组合更适合自己音乐的表现。转回来说和声，如果说节奏是音乐的骨架、低音是音乐的根基，那么和声可以比作音乐的血肉。我们说的和声不能仅仅指那些弦乐、pad等。一些分解的和声线条或一些节奏式的和声音色也都算作和声部分。只要有音高的声音都会参与和声部分。不管我们音乐中的和声进行简单还是复杂，目的都是为音乐创造一个和声环境，我们可以尝试为相同的旋律搭配不同的和声进行来体会和声在音乐当中的作用。同样，可以注意一下声音的四个要素。用不同力度、不同音色、不同音高、不同音值得和声加到音乐当中来体会音乐的变化。我们完全可以尝试用不同音色不同方式来叠加出一个和声环境。但是要注意和声进行要统一，除非特殊的需要，否则会搞乱已经设计好的和声环境。
旋律的概念也应该宽泛一些，包括主旋律，这个可以是演唱或主奏乐器。还有SOLO部分、音乐进行中出现的副旋或点缀性、配合性的旋律。我们音乐的一些动机就有可能来自于旋律。我们可以抛开和声和主旋律。在建好的节奏架子上先搞一些旋律线条。这也许会给我们带来一些新的想法。我们还要注意的是这部分内容要和音乐整体有相关的作用关系。我们要把所有的音色都融在一个架子上，互相有引力，产生内在力量。一些朋友在做完基本架构时总会觉得少些什么，然后就加很多的花哨去丰富而不去想他们之间的关系。这样就会是听者觉得音乐内部很乱。没有整体的韵律。我们要在和声、节奏、韵律、松紧关系等各个方面去思考音乐中各个音色的关系和他起的作用是否合适。每一个声音都要有必要才加上去的。不要让别人感到多余。
我们今天聊了声音本身的要素。音乐组成的要素。建议我们再去看一些相关配器、和声的教材（但千万不要以书为纲）还有就是都听一些大师的作品（不限风格）然后再由音乐本身出发，来构建属于我们自己的音乐。

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