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发表于 2009-6-20 10:02:23 | 只看该作者 回帖奖励 |倒序浏览 |阅读模式
  歌曲作曲技巧
! x9 a& V* I! a7 x! ~7 U% b9 l
( O- ?2 {) x$ S+ `  X4 v6 L     作曲并不神秘,虽然它有一定的门坎,但我认为只要对歌词有一定的理解力,有良好的乐感,就可以学习了。作曲当然要遵守音乐的规律,但各人的方法和技巧又有不同之处。如,有的人习惯先有词后作曲,也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。有人先作一个总体的构思然后再动笔,有人完全按照感觉来写,认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。但我看,要创作一首完整的好歌曲,基本的技巧和方法还是不能没有的。这里说一下基本的创作技术问题。, Q% b# `0 i7 ^4 F

; w2 Z  i* e" S$ i' Q( R                           一、主题6 M2 b0 _) \9 F! o2 C
     一首歌的音乐,要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。乐曲的长短要根据内容而定,象一条主线贯穿全曲。歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的,有些歌曲的主题,往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的,也有一些歌曲的主题,加了许多虚词和衬字把主题加长了。4 x  |/ ]. s( H' H8 l
     一首歌乐曲主题的配制,首先是从研究歌词开始的,要进行反复吟颂,借此来了解歌词的意境,进行研究分析,并对歌词作修改和修整。要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象,才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次,对于体材也要选择合适的,根据内容需要量体裁衣,以增加作品的表现力和艺术感染力。
1 z' h# M6 s+ `2 i                        二、发展8 r% y, b0 Z* {* l# R  |' X

" d% a/ ?( v5 Y3 E& |  V9 _  r, i# o      1、段落
2 ~( V4 K4 ]. e( Q* n     音乐的发展安排在合理的作品结构之中,歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。段落分一段体,两段体,三段体等。比较常见的是两段体和三段。
* A) k$ d2 J/ N7 K6 J
+ k9 H9 J& [; T0 m     段落可以分为对比和类似形式。对比,如:前面比较舒缓,后面比较高昂;前面比较紧凑,后面比较庸散。从文学上分析,如果你想用对比来创作的话,前面是叙事的话,后面一定要改成抒情。从音乐上说,前面如果旋律比较平,后面就大胆的多点起伏,前面节奏多用4分音符的话,后面就用8分或16分音符。从而起到对比的作用。在编曲上可以更明显地看到,一般副歌部分总是比较高潮,而前面总比较缓慢。但这也不是绝对的。
  Y2 N; x4 ?! K8 s$ N$ x/ |     一段体的大多都是小歌,如兰花草,雪绒花等等。学吉他的人一定知道,是吉他入门的必弹曲。如果写得好,那也是非常精致的东西。但一段体对旋律要求非常高,旋律一定要好听,否则不行。现在三段体的也很多,如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转),那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。. i. x$ b- R6 |
     数学里面有黄金分割点,人们在美术、音乐等艺术领域都很注意这个点。按照美学观念它是最完美的点。一首3分钟的歌,在黄金分割点上,大概2分多钟的时候,总是一个歌最最好听的地方,他或是高潮部分,也许是一首歌最最精华的部分,在编曲上尤其是这样。黄金分割点,是最容易打动听众的点,也是最容易渲染感情的点。  
* @9 S# a) r9 Y. ~; I. h3 M" P+ r' Y  |5 n' x
  2、重复
5 D" G7 p. D" M
; G. h# ^4 }( d' ^重复永远是音乐中的不二法门,从段重复到小节重复,几乎每个作品中都可以看到他的影子。(重复也是同度模进)。重复的技巧也很多,移位重复还包括严格移位和混合连续移位。
9 \, L( x& _' R  n) k      3、倒影% E9 z  t* I3 p
# a  U% H# `3 N8 o  L3 {. G; }
它就像我们在水边,看到自己的影子。如:33345 33321。
3 F4 b9 s$ ~! D- n* K    在五线谱中,以3横线,就会发现,345往下翻180度的话,其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律,不会很散。( Q& ?0 ^1 \3 L8 m2 h1 i0 I. _
       4、模进
; d6 p( A/ k* V$ A8 G
0 w, z/ r! D# b3 j, t. _模进分严格模进和自由模进。严格模进,要求各旋律音程之间完全一样,旋律线条也要完全一致。如:3323 2212 。自由模进,则没有这个限制。如:1123 3345(1和2之间是全音,3和4之间是半音,音程不同)       1 v: Z7 a/ _$ ~% Y+ x' N! _
      5、对格+ j0 r& s( l/ S( i2 E4 n

2 M7 `1 M: b* z) G' p/ E/ _各艺术门类都是相通的。在文学创作中的某些技巧,放到音乐里也完全适用。在一些人写的诗联,第一句的最后一个字,是第二联的第一个字。放到音乐中的话,就是第一句最后一个音符,是第二句的第一个音符。然后依次类推。如:123 312 234 465,前面的最后一个音符,是后面的第一个音符。李宗盛有时通篇都使用对格的技巧。 2 e5 L! E- v' W  d. Z, C5 A* U/ T

' E; G/ o5 |3 _; Y3 p       6、变音
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一般而言是指升降音符。用一些变音,会给人带来新鲜的感觉,也容易使情感更加饱满。
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- z9 U4 G7 p/ y7 N歌曲变音用得如何,很大程度上看作者对旋律的把握程度。一般来说,表现明亮色彩的歌曲用大调,相反,表达忧伤或温柔的歌曲用小调。我们也可以把大调的3音降半度,来表达忧伤或温柔。在小调中,多使用#4和#5,是不会有错的,因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果想写一段带有JAZZ风味的旋律,除了节奏上多用切分音符外,用b3和b7是不二法门,其实,这也是JAZZ的特有音阶。! m8 H) j9 y( H6 r* Q& O
    例如,罗大佑在爱的诤言里,A段第三句,用了#1 2 3的级进,给人一种忧伤的感觉,而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中,用了:5 6 7 #1的旋律级进,四个全音连续上行,把感情发挥到了极至,也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌,作者用了#4作为承上启下,收到非常好效果。如果改用4的话,旋律色彩就会大打折扣。& x: [- {8 t! b% z9 O9 O& n2 C

; ?1 ~- ^- a( X8 {& @2 W) p   7、浓淡疏密
. R8 `  v. P* q) T     1:疏密有致。国画讲究疏可跑马,密不透风,有疏有密。在音乐中,前面几小节如果节奏部分非常密集,后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大,那么后面一定要把旋律安排得平稳些,以起到一个平衡的作用。1 o- s, [  Q2 R: R# X( V8 \
     2:深浅分明。国画讲究墨色深浅枯湿,分深、浅、灰等五色。在音乐作品中,如果前面两小节都使用了上行的旋律,如:1123 3345,那后面你最好使用下行或者平行的旋律,如5442等,这样让人感觉旋律有起伏有变化了,听觉上比较舒服,也符合自然规律。; G) G4 @' G5 p. e; u
     如,开头第一到第二句,旋律从低音5直线上升,且不带拐弯地到达高音1,音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降,从高音1下降到底音6,音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大,感情全部发挥出来了,然后第四句旋律开始走稳。# X$ f0 r8 B4 ?
       8、调式
3 Z/ R8 D; q% X7 t* h1 q/ D8 H     在古典音乐里,用什么调?抒发什么情感?需要的音乐效果是明亮的?还是灰暗的?或是雄壮的等等,都有严格的要求。9 |( `- J4 [: c' C4 m4 c& |
     但在当今的许多歌曲,特别是流行音乐里,几乎没有这种限制了。现在作曲家对歌曲的定调,一般是根据歌手的音域来确定的。男歌手一般最高音定在G上。(钢琴上叫小字二组G,吉他上是第一弦的第三品)。如果太高,降一度也够了。女歌手音域要比男的高八度,所以,一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。吉他是第二弦空弦)。太高的话也降一度。当然,这也不是绝对的,只是一个大致的范围,听说帕瓦罗蒂可以唱到高音#C。大家可以在琴上感觉一下,钢琴是小字三组的#C,吉他是第一弦第九品。
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6 @' u/ }" Z! G5 ]6 d  9、变调. l% x  |+ @+ H4 w7 \0 u6 `

! `) N' x4 ]7 s我在江西、北京两次听到张千一讲自己的歌曲创作体会,每次对转调的问题都谈得特别多。调性的对比,确是非常重要而有趣的,一首歌前面如果是小调,后面可改用大调来发展。前面如果是C调,甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调),都是可以的。这样能让听众有耳朵一亮的感觉。但不要忘记,调是为歌服务的,转调是为了更好的抒发情感。所以不管你转成什么调,一定不能单纯为了转而转,音乐也要有再现。8 Z) r, ~) I9 _/ q5 p+ `4 g
    齐秦的《大约在冬季》,他在第一段开头用大调 1,结尾是小调 6,副歌部分也是小调,很好地抒发了离别的情绪。 张国荣的“共同度过”,本来旋律并非很出彩,副歌部分也是一般,但作者连续用了四个转调,把感情全部唱出来了。    转调技术在间奏里用得也比较多,还有离调,但这是编曲的范围。如果间奏忽然转调了,那么在结尾的时候,一定要再转回原调。/ n& E) [9 {3 q7 l/ z( }, ~3 m3 m
     调式的学问很多,在印度的音乐里,把3和4这一对半音兄弟,再切一半,变成12音音阶,更难唱。光音阶上的变化就有几十种,还分上行和下行,还不包括临时变音等,很难懂。
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在大多的编曲书中,都说结尾一定要5级和声转到一级和声。是C调的话,结尾一定要从G到C才可以,不然不及格。但有不少歌曲里面结尾并不到C,而是G到#G(就是#5 1 #2),在听觉上非常新鲜。还有G到G增和弦。就是(5 1 2)也非常新鲜。有一种意犹未尽的感觉。  c$ ?  ]+ }) O0 _5 O& a# A* @% u; V! j
     10、起承转合。, ?7 A- y) U7 U
     中国的诗词歌赋是要讲究起承转合的, 四句式的歌曲或歌曲主题部分也有起承转合音乐结构的。1 k. s5 L  p6 _0 u3 Z/ W: L8 J

" x- c& C3 J+ l) T9 w" y! r开头的第一句就是起,一般都是有音乐动机组成的,是写歌的一个动机所在。6 q- n; M/ `3 E1 A) \9 e) f

1 H2 D* M( y0 z! ^第二句就要相承了。
! n8 x0 m/ X# t7 S# J6 r2 f! c2 y( `0 E
第三句就是转,是主歌部分最精华所在,很多优秀的音乐人都在这里大做文章。如果前面两句用上行旋律比较多的,第三句一定不要用,改成下行。前面如果旋律比较平和,到这里,一定要写的凹凸些,就象美女的线条。用一些变音什么的,节奏改一些,也是非常常见的手法。
. C: d: M9 F" R4 v& Z) j. p: t( r     第四句叫合。是前三句的总结,有人把第一句照搬,那是最简单的办法。也有人把前面三句用到的动机,整合在一起作为第四句,也未尝不可。实际上,创作手法是多样化的,主要看情绪发展,你想表达什么。
" s5 w4 [; {1 z! j     11、词曲配合。  y1 L4 s, o% _" E0 P
     汉字有本身的发音,1、2、3、4声,念的时候,大家都严格按照发声的,上入声,本来也包含了音乐成分在里面。如果没有按照发声规律念,很容易就变成另外的意思了。而在音乐创作中,这是最最忌讳的。
4 ~4 A( p0 g% C/ Z. L3 P     如果歌词的感觉是摇滚的,曲子却写成民谣的,听上去感觉一定不行。曲子是古典风味的,而词的感觉却是很现代的,感觉就会很别扭。齐豫以前有盘专集,曲子都是从古典音乐里出的,新填上词来唱,感觉不好。因为那是人家为器乐而写的曲子,改成人声了,当然不好。
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12、最高境界。3 g6 {6 ^" R  I) v. z1 j
     鲁迅先生说过,文学的最高境界就是,添一字嫌太肥,减一字嫌太瘦,就是说,好的文章,你一个字都不能增减。好的曲子也是一样。加任何一个音符进去,你都觉得不好,删除任何一个音符,你都觉得不对,到了那个时候,就是曲子最完美的时候。如果对巴赫的复调加音符进去,就会发现,加在任何一小节,其他地方都要作很大的改动,而改好之后,又会发现完蛋了,不能听了。 但歌曲有所不同,因为要加歌词。词,是为曲服务的,是依附在曲子上的。所以宁可让词牺牲点,也尽量不要去改动曲子了。
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 楼主| 发表于 2009-6-24 18:24:07 | 只看该作者
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