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发表于 2007-5-21
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缩混--关于乐器的摆位和混响的初步使用(上)
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7 P2 [: t% T. Z非常抱歉,已经将近一年没有继续写教程了,一是因为太忙,二是总能不断发现自己在缩混过程中存在的一些缺陷,所以也就一直没有写。到现在,已经实在不忍心再拖下去了,就算仍然有缺陷,也仍然把我所知道的写出来,望大家指正以及共同讨论。
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1 e- {! `2 P( ^上一次,我讲到EQ的时候,曾经说过,对于EQ的调整,可以改变声音的距离感。最显著的做法是降低声音的高频,能够使声音听起来更远。但是,这样的做法显然是不适合当今的流行音乐缩混的。因为,现在的流行音乐,越来越多的追求声音的细节,以及音乐的响度。而对于音色之中高频的衰减,会丢失音色的细节以及损失音乐的响度。相比之下,用EQ辅助调整声音距离感的做法,更适合用于影视作品的缩混。
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现在,言归正传,说一说流行音乐的乐器摆位。首先,要明确一点,除了BASS DRUM和BASS具有比较常规的摆位以外,其他的乐器几乎没有什么在摆位上的规律。+ {% }7 \3 @0 C* _
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那么,首先,就来说BASS DRUM和BASS。曾经有人说,这两种乐器不能摆放在完全相同的相位上,会导致两种乐器声音的模糊不清。我个人不同意这种说法。因为在当今的流行音乐中,BASS DRUM和BASS本来就是可以当作同一件乐器来处理的。两种乐器都是整个音乐的基础部分,而且,都具有那么多相同的频响。如果硬要把他们分开的话,会导致音乐的基础部分不稳定,并且使整个音乐欠缺凝聚力。既然是基础,那么,他们在常规的音乐缩混中就要摆放在最中间的位置。
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. v: K& H: Y; B. N @然后,我们再来摆放同样最为乐队基础的其他打击乐部分。首先是SNARE,在早些年,大部分的音乐中,把SNARE放在音乐的偏右方向,也就是大概1点到2点之间的位置。这是为了体现其临场感。SNARE在现场摆放时,大部分摆在鼓手的左手边,但比HI-HAT偏右。也就是在观众的偏右方向。但是,在右边的SNARE会使音乐的冲击力降低。现在的流行音乐中,如果要求乐队的大冲击力,就有越来越多的时候把它摆在中间。由于SNARE和BASS DRUM处于基本完全不同的频段,所以不用担心会相互之间产生干扰。但是,如果是JAZZ或者一些非常柔和的音乐风格,那最好还是把它摆在偏右的地方。$ A- z/ V; _6 o. |4 m4 F( A9 ?
V7 t) k, S7 `9 j0 w/ b& _& R下面是HI-HAT,HI-HAT需要摆放在右边的地方,大概在2~3点的地方。原因我想不用我多说了吧?现在还有的时候会有两轨HI-HAT,分别在左右两边,打击的节奏不完全一样,有点类似DOUBLE的感觉。
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接下来是TOM,大家如果用的是音源里出来的声音,那么,直接按照音源里的声相摆位录制成为立体声即可。如果是从录音棚里录的真TOM,那么,所用的鼓三通或者四通的比较多。如果是三通,那么高通摆在12点~1点中间的位置上,中通摆在10点半~11点半的位置,地通摆在9点到10点的位置上。如果是四通的鼓,则需要把最高通摆在1点半~2点半的位置上,其他的和三通的一样。
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最后是CYMBAL,大部分的情况下,我们会使用其中的三个,最左边的、最右边的,和中间的。同样,如果是音源里的声音,那么,直接录制立体声轨就可以了,如果是真正从录音棚里面录的,要记住,它们和TOM的摆位几乎是相同的,但是不同的是,CYM的最左边的一个,比TOM最左边的一个还要偏左一些,右边的也要偏右一些。
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1 b/ s9 x& i" m2 ^0 f此外,还有一些其他的打击乐,比如COW BELL,BELL DRUM等等,大家可以根据平衡的原则随意摆放,并没有什么特别的规则。但是,所有的打击乐在摆位完成以后,整体听起来要有平衡感,不能有任何一件乐器特别的突出,或者从整体的声相中脱离出来,原则上讲,打击乐不会有任何一件乐器处在音乐的极左或者极右的位置。: K! Z8 l; s. E2 j7 t
& R) K7 S7 Z0 |$ B接下来,我来说说一些其他乐器的摆位。首先是钢琴,现在用真钢琴的情况已经越来越少了,如果是音源的钢琴,大部分就维持其在音源中的声像就可以了。不用特别摆位。5 X6 H* L) ?2 i4 O
( n2 W/ T/ O1 l& W然后是吉它。一般情况下,打底的吉它有两轨,可以摆在一左一右,而其在左右的程度,则视音乐风格来定。普通的流行音乐,可以摆在左右70%的位置,这样可以使吉它更好的融合在其他乐器里面。但是这样也有另一个问题,那就是如果有相同音色的吉它SOLO,如果摆位不当,就可能产生声场模糊不清的现象,可以这样解决,当SOLO出现的时候,可以把打底的吉它略向左右摆一些,空出更多中间的位置给SOLO。6 a4 n; B3 {: \- o
, Y/ i) g& H' r如果是R&B或者一些UNPLUG风格的东西,甚至于是TRANCE,都可以把吉它摆在极左和极右。这样更有利于突出每一件乐器的细腻感。6 H3 z. o. N2 m c! [. Q" h6 r
0 u: [% b* o v6 ^0 e* P其实,如果从原则上来说,每一件乐器摆在哪里,都是可以的,因为缩混本来就是一个再创作过程。但是,如果你不想让乐器听起来很浑浊的话,那最好能在摆位上多动动脑子,让他们听起来有些区别。而不是乱糟糟的堆在一起。) H6 ^. e( T1 q X: S" ?4 w
" N3 k2 A( E) N8 Z那么除了左右以外,乐器的摆位还要分出前后来,这样,才能形成一个有立体感的空间。那么,前后就是用混响器来作的了。
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, T$ k( z( C$ t5 }2 {6 G: p/ q首先,我先来说常规的混响器使用方法。混响器通常包括以下参数:房间大小,早期反射时间,混响时间,早期反射与混响的比例,混响密度,高频滚降时间以及低频滚降时间等等,有些还可以调节混响的高中低频段的比例以及频点。1 {2 p8 t. w+ Z% O J/ |
4 S/ T# d. z; A4 ]5 Q4 R在最基础的混响使用中,要确保绝大部分的主要乐器使用相同的混响参数,仅仅是混响比例不同,这样,才能造成所有乐器在同一个空间里演奏的效果,否则,就会造成空间感的混乱。当然,一些特殊效果的声音除外。那么,接下来,就是调整声音的远近了。那么,到底什么样的声音应该放在最近的地方,什么样的声音应该放在最远的地方呢?. X8 p# _6 ?7 |/ Q+ t* S
- h5 l5 s) z4 @6 [1 e下面,我提供一个最常规的摆放方法,仅供大家参考,有些时候,乐器的远近和现场的乐器远近并不完全相同,比如,CYMBAL,在整个的鼓组当中,它是被放在最前面的,但是,我们在缩混的时候反而将它放在鼓组的最后面,至于原因,因为它的高频非常多,如果放在前面,会导致整个音乐太炸,甚至会影响到人声。那么,最前面是什么呢?是BASS DRUM和BASS。往后是SNARE,再后PIANO和GUITAR,然后是HI-HAT,CYM,弦乐群一般放在最后,对乐队形成一个整体的包容感。当然还有一些铺底的音色,和弦乐是放在相同的距离上的。SOLO乐器基本要和SNARE放在相同的距离上,为的是更明显的突出SOLO。) C, Z; ^0 D2 ]: J
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那么,似乎这个章节讲到这里也就没什么更多好说的了。说到最后,就是,摆位可以随便摆,远近也可以随便放,最重要的是整个音乐的个性和均衡度,在这两者中,无法辨别哪个更重要一些,音乐不能没有个性,也不能没有均衡度。看你怎么去处理。
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另外,这个章节既然说到了混响器的使用,就要说得全面一些。
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2 v3 Z1 E1 g" u I. T R! E几乎所有人都知道,混响器的作用是调整每一件乐器或者人声在声场中的距离的。但是,并不是所有人都知道,混响器和EQ以及压缩器一样,也是作音色的手段之一。因为每一种声音在不同的混响条件下发出来,听起来是不相同的。那么,我们可以用混响器的某些条件,比如:混响时间、反射时间,或者混响和反射的比例等来制造出不同听感的音色,然后再将这些音色融入这个乐队中去。但是,对于这样的要求来讲,PC机上的软件混响,就显得有些无能为力了。只好依靠硬件混响,或者基于DSP运算的混响了,比如PROTOOLS HD,或者PULSAR等等。
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7 k- y3 `/ Y z* I( |1 }到今天为止,整个教程已经陆续的写了一年了,既然是基础教程,我也已经把一些基础的东西都说得差不多了。这一年当中,感谢大家对我的支持和敦促,才让我有毅力把教程写到今天。谢谢大家!+ a' C- ? l' F3 B1 m7 Y' v
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在所有的教程当中,我省略了压缩器的使用,因为驴半仙的《动态神功》一文已经写得很清楚了。
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如果再往下写,就不是基础教程了,而是高级教程了,说到高级教程,我想我还没有资格去写。因为,比我好得多的制作人或者录音师太多了。在明白了录音的各个基础部分之后,我想大家就已经能够去发挥自己的想象,来制作出自己想要的作品了。 |
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