混音 Mixing 的基础观念

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　　[Panorama-假想声音的位置]

　　Panorama通常缩写为Pan，在Stereo的状态下，让声音在左、右声道中调整位置，以达到把音轨错开、增加清晰度、避免乐器互相干扰等目的。正确使用Pan的功能，可以让声音更宽大、音场更深；当然，就像混音中其他元素一样，Pan的调整方式并没有绝对的对错，要视实际情况来判断；这边提供一些基本可依循的原则：

　　[混音常见区域：中央、极左、极右]

　　在混音中有三个区域最常出现：中央、极左跟极右。

　　中央是最容易被注意到的位置，通常会留给vocal、大鼓、小鼓、Bass等等，虽然让大鼓跟bass紧密相连是现代音乐制作中常见的技巧，但在早期录音中却不那么普及，1960年代中期Stereo技术刚问世时，把乐团跟主唱分别pan在相对一边也时有所闻。这是因为stereo对当时的录音跟混音技术来说，还是种全新的、未确定的格式，所以Pan旋钮在当时混音Console上还没有出现，仅有一个三段式的开关，用来指定该音轨送至左边、右边的输出（或是左右都有，就像是在中间一样）。

　　然而音乐元素被极端pan到某一边时，会造成了一些技术上的问题，如低频在某一侧被增加太多时，不平衡的低频能量会影响唱盘（早期LP、SP等黑胶）的制作。解决方式只有平衡两边的低频，或把bass、大鼓等等有着大量低频的乐器pan到中间。

　　[BigMono]

　　近年商业音乐与舞曲的发展，让混音师的主要任务，逐渐变成要让音乐成品听起来更为巨大、宽广，而最简单的方式，就是把声音pan到极左极右。虽然声音乍听之下似乎变得更明显，但实际上却会造成"BigMono"的问题。

　　当一个混音中，有大量Stereosource被pan到极左跟极右的情况下，其实并没有增加音场，反而因为所有声音都塞在同样位置，而破坏了每个音轨的定位与深度，所有声音相互重迭，反而失去了立体的空间感。在混音的过程中，要把声音Pan到极左、极右或中间，需要一个适当的理由。有些人在拿到一些声音素材时(例如合成器音色加上一些stereo的效果)，就直觉地将其pan到极左跟极右，希望让衬底音色能尽可能听起来更宽更大，最终将导致一场频率分布的灾难。如果再把大鼓、小鼓与人声都放到中间，就会发现所有音轨频率间互相干扰；如果这些声音能被看见，它们将互相遮掩，让人无法分辨哪些在前、哪些在后。

　　而解决方法，是把这样的Stereo素材其中一边舍弃，找一个位置放置它，以制造出自己的音场定位，而非Pan到极左跟极右。例如可以把左边的声音素材Pan到十点钟方向，而把右边的素材Pan到四点钟方向，这种做法会让整体声音定位更清楚、立体，若有需要，可以再加上一些效果让声音更符合我们期待的音场。让所有乐器有自己的位置，才能让所有东西听起来像是契合在一起的。

　　[在Mono中聆听]

　　有些混音师，会在混音的后半段于Mono跟Stereo间切换聆听，藉以检查相位一致性、Panning与乐器是否平衡。

　　当Stereomix被合并为mono时，所有的反相因素将会产生抵消，降低整个音量，甚至可能造成某些声音消失，所以有些混音师会在mono中重新确认乐器的平衡，检查有没有哪些乐器互相遮盖了。因为在Stereo的状态下，寻找一个精确的动态平衡相当困难，因此混音完成后，最好是能在不同监听系统、不同的环境中聆听成品，确保混音后的结果能适应不同的播放情境。

　　[Dimesion-声音的体积]

　　声音的体积大小，也就是聆听者会接受到的空间感，通常在录音时便会受到影响，但现今在混音阶段，大多会加上一些效果来改变原始的空间感，例如加上reverb、delay或一些modulation的效果（如chorus或者flanger等等）。

　　在混音的时候改变声音原始的大小，通常是为了制造一个聆听的空间感，或者增加特别的味道，让声音听起来更宽大或更深远。一般来说，我们会想象一个表演者所在的空间，例如酒吧、房间、演唱会的场地等，然后重新做出一个空间感包围原始的声音。

　　小一点的reverb或者较短的delay，可以让声音听起来变大一些；当Reverb的decay小于1秒，而delay小于100ms时（实际使用时可能会用比上述更小的数值），会制造出一个小空间包裹着原始声音素材，让声音听起来较原本宽大。有时为了让reverb更符合需要，会在reverb上加EQ调整频率，而EQ的原则就如之前所提到，一切还是依靠你的耳朵来判断。

　　这边有一些在音场上的建议可以提供给大家

　　利用频率来将Reverb分层，较长的Reverb伴随着较亮的频率，较短的reverb伴随较暗的频率。

　　比起把ReverbPan到极左及极右，有时可以试试不同的Pan法。

　　并不是所有Reverb都一定要Sendreturn，视情况直接挂在音轨上也可。

　　使用Reverb把空间感变大，用Delay让声音变深。

　　在主要乐器元素上使用较大的Reverb，可让整体音场融合得更好。

　　而longdelay、reverb的pre-delay或reverbdecay等参数，如果调整的较为明显，会让声音听起来距离较深、较远。如果delay，predelay大于100ms，声音听起来感觉会是从较远的地方传来，在使用上就要判断最后Level的大小。当decay或delay小、leval大声的时候，声音听起来较明显；当decay或delay长、leval较大时，声音听起来较远。

　　当Delaytime跟曲速同步时，增加效果深度比较不会引起注意；很多混音师会把delaytime与拍速Sync起来，让delay效果更融合在曲中。但这并不表示delay效果一定要跟拍速同步，只是不这样做，效果会显得较为突兀、容易被注意，而这也可作为一种特殊效果。Reverb如果能够跟歌曲速度同步，同样也会有较融合在曲中的效果。

　　有时录音室会采用RE-Amping的方式来改变声音的环境音，也就是把原本的乐器声用音箱放出后，重新用麦克风收音，过程中麦克风的种类、收音位置与周遭环境都会影响收到的声音，改变原本乐器空间感与音质，好坏则因人而异，但声音一定会跟原始素材有所不同。

　　

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　　[动态（Dynamics）]

　　控制动态是指让音量大小维持平均，让太小声的被听见，太大声的被减弱。在现代音乐不断要求声音越大越好及经常使用Compressor压缩的情况下，「动态」对混音来说变成重要的因素。在混音上使用动态控制器，最主要是为了：

　　控制动态增加效果

　　动态控制的Plug-in，基本上包含了Compressor、Limiter、Gate等，经由这些工具来对音量动态进行控制。经过压缩的声音会较为紧实，在输出阶段可让整体音量往上提升，然而过度的压缩会使声音失去活力与表情，若动态范围过大也容易造成输出破表让声音破掉，如何拿捏是混音中需要再三琢磨的课题。

　　[Compressor]

　　Compressor最主要的控制参数为Threshold跟Ratio。Threshold会决定Compressor在何时开始动作，例如设定在-20dB，表示当音量超过-20db时，Compressor就会进行动态上的压缩。Ratio基本上类似压缩的比例控制，假设设定Ratio在4:1，这表示每4db的音量，在超过Threshold设定的门坎时，会透过Compressor的压缩变成1db；同理，8：1就会变成每8db的原始音量只有1db输出。

　　如果以考试分数来举例，假设某次期末考成绩普遍不佳，但仍有少数同学接近满分，老师希望调整期末考的平均成绩同时避免有学生分数破表，这时候Compressor的概念就可以套进来；假设以60分为标准，超过60分的分数以2:1压缩，然后再加上20分为调分后的成绩，这样原本60分以下的同学，就等于成绩直接加上20分，而70分的同学，调分后会变成60+(70-60)/2+20=85分，而100分的同学，则[60+(100-40)/2]+20=100，仍然维持满分。在经过compressor压缩之后，整体数据便可以再往上增益而不会爆音，这便是compressor的常见用途。

　　大部分的Compressor还有attack及release变量，Attack会决定Compressor多快开始动作，Release则决定压缩的时间和时结束。有些Compressor还多了Automode，让这两个参数自动配合音频的原始动态来变动。

　　到这边应该可以了解，动态处理器其实就是执行gainreduction的动作，也就是把音量变小。那为什么会说，让声音变大需要使用这些效果器呢？因为当我们把比较大声的部份做压缩后，才有空间把整体音量再往上提升，也就是Make-UpGain，或OutputGain，来把减少的音量补回来。

　　[Limiter]

　　而Compressor跟Limiter最大的差别是在设定的方式，当我们把Compressor的ratio设到10：1以上，就会跟limiter有类似的效果。基本上limit就像一道讯号墙，当音量到达那个门坎后，就只允许原始讯号超过一点点，大部份的音量被强制压缩在Limiter的范围中，整个斜率看起来会接近一条水平线。

　　Limit通常用来保护输出讯号不致于过大，导致喇叭，或者音量过大造成的问题。而有些混音师也会在bass上使用，让bass的动态不至于过大，让混音变得容易一些。

　　[Gate]

　　Gate就像一道门，是透过threshold来控制门的开关，来决定讯号通过与否。可以用来让声音只有在我们希望的时间发出来，也可以用来消除一些串音的问题，例如：录鼓的时候，我们需要的只有Oneshot，只有那一声小鼓声，或是只有那一声大鼓，但是小鼓mic会收到其他部分的声音，这时候我们就可以利用gate来消除多余的声音，或者可以用来消除一些环境的或amp的杂音，或者可以让声音结束的比原始的讯号快。

　　这里有一些例子，希望对大家有帮助：

　　Bass-大部分的bass持续演奏同样的某些音，并且比其他乐器大声，有一些又很小声。我们利用compreesor来让这些差别减少，使得音量平均一些。

　　Leadvocal-大部分的歌手演唱每个字及每个旋律线时并不会在同样的level上，所以有些字会听不清楚compressor在这种情况下可以让每个字都被听见

　　大鼓或小鼓-有些时候鼓手不会每一下都打的一样。compressor可以让声音强度比较接近。而Gate可以避免鼓组中的延音影响到下一个声音出现造成混淆的状况。

　　把Compression当成效果使用时，也可完全改变声音，透过适当的设定，还让声音听起来更靠近、更有侵略性与刺激感。

　　在调整compressor时，过快的Attack反而会减少原始讯号的Punch，而太长的Release会让Compressor压缩到下个讯号的出现。因为Attack跟Release会强烈的影响到声音的变化，所以我们可以用最慢的attack，最短的Release开始设定，慢慢的将attack加快，直到感觉乐器声开始「变钝」，就先停在这个点，接着将Releasetime慢慢增加到下一个声音出来之前，避免压缩到下个声音，最后跟整体混音进行比较看看设定是否合适，目的是让Compressor的运作就像呼吸一样自然。

　　此外，Compreeor会让主要频率被压缩较明显，因为主要频率包含了声音中较大部份的能量，因而被压缩的比例就越多。越少的压缩量（6db或更少）对于动态的损害就越少，但是这并没有一个一定的方式，有时候我们也会对于电吉他或者鼓、人声进行大幅度的压缩，端看实际情况而定。

　　以下来介绍一些压缩使用上的小技巧：

　　小鼓：通常我们会使用gate，让小鼓只有在被敲击时发出声音，并把小鼓讯号作为side-chain的输入来控制其他轨的音量，使它不受到大鼓或其他声音的影响。

　　人声：大概3:1到4：1都是适当的起始ratio，Attack可以从慢到快，而Release从快到慢，并设定Threshold让Gainreduction大概在4到6db左右。

　　Bass：有时可使用limiter设定Threshold，让Gainreduction约略在3dB或4dB左右，让bass在混音中站的更稳。

　　吉他：较高的ratio例如8：1或10：1，通常可以起很好的作用，要注意Threshold需设定在不会让吉他被中断的位置，并且把Attack跟Release配合拍速进行设定。

　　对整组节奏组进行压缩：在一个bus上使用stereo的compressor，并于整组鼓的音轨间使用bus做效果的sendreturn，有时也可包含bass。接着，让compressor进行比较强的压缩，至少10db的reduce。并增加一些高低频（6～10db在10k及100Hz左右）到被压缩的讯号中，最后于混音中调整compressor的输出音量。这样可以使节奏组整体听起来更大并更容易控制，却不会有过度压缩的问题。

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　　第一章：音乐与混音

　　1.1音乐，一个简短的介绍

　　你热爱音乐。我们所有的人之所以进行混音是因为音乐代表我们的激情，即使不是最伟大的也没关系。不管我们是从何种角色开始进入混音领域的，歌曲作者，音乐爱好者，演奏家，甚至是录音棚里端茶倒水的小角色，这都没有关系，我们队音乐的热爱让我们进入了混音领域，并且希望努力参与其中。

　　现代科技将一些传统的艺术形式边缘化。比如文学阅读，很多人已经不再看书，而转向看屏幕－－－手机或者计算机的屏幕。但是对音乐而言，科技的发展提供了新的机遇，扩展了音乐的传播范围，提升了音乐的品质。所有的发明，如蜡筒、无线电广播、磁带、ＣＤ、软件插件，无一不使得音乐的存储、消费和制作更加便捷。而互联网作为人类最有影响力的发明之一，或许正是当今音乐发展最重要的推动力。现在，仅仅通过鼠标，我们就可以完成从试听到购买新的音乐产品的全部过程。音乐的触角伸向四面八方，从客厅、汽车、商场、到电视，甚至是理发厅。如今的手机早已具备了MP3播放功能，音乐几乎无处不在。

　　音乐与混音之间具有紧密的联系（除了被用于混音的基本音乐素材以外），理解这二者的关系应该从讨论并不久远的过去开始。历史告诉我们，在西方世界，宗教音乐一直占有主导性的地位，直到１９世纪，作曲还是为宗教服务的。世俗音乐在这个漫长的时期中逐渐发展，在贝多芬时代，世俗音乐发生了根本的转变。贝多芬具有勇气和创新精神，他的音乐和人们对其音乐的感受改变了音乐思维的方向。ErnestNewman在评论贝多芬的交响乐曾经写道：