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发表于 2010-5-7 07:53:37
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第三节:歌词的体式与段式
按歌词要表现的内容写成什么风格体,叫体式,写成几段叫段式。
歌词按风格,可以分成格律体、自由体、民谣体、问答体。
按性质,有抒情体、叙事体、回旋体、分节歌等。
歌曲的段式,有一段式、两段式、三段式、多段式。
关于体式1:
格律体,自然从格律诗而来,被谱成曲就是格律体的歌词了,毛泽东的一些格律诗大多被谱成了曲,显然这就是格律体的歌词。这种词被约束在固定格律里,讲究平仄,难掌握,写现代生活内容还要服从格律形式,本末倒置,青年人还是尽量少写。
自由体,没有固定的格律,可长可短,可以按内容随意发挥,是现在人常用的一种歌词体,许多的歌词都是这种类型。
民谣体,这是民间口头文学形成的一种歌词体,自由、流畅,可写景、可喻情。《众手浇开幸福花》,还有当年一些歌颂红军的歌曲大多是这种文体。
问答体,上一章在对歌中已经讲过,不再多说了。
关于体式2:
抒情体,也叫抒情性歌词,一般说它没有故事情节,是抒发作者内心思想情感、生活和事物的。许多独唱、合唱都是这种文体。《那就是我》、《祖国慈祥的母亲》都是很好的抒情体歌词。
叙事体,歌词中有人物、故事、事件。但是,只能简约的描写,主要还是写人物的思想情感。《兰花花》、《老房东查铺》等,都是这种文体。其他的体式用的较少,在以后的章节里再涉及。
关于段式:
一段式,(A式)整首歌词只有一段,或四、六句,或十几句。内容集中,情节统一,情感变化不大。例如:《骑马要骑千里马》戴花要戴大红花/骑马要骑千里马/唱歌要唱跃进歌/听话要听党的话。还有《志愿军战歌》、《大刀向鬼子头上砍去》等都是属于一段体。
两段体,(AB式)不完全是指相同并列的两段,也许是一段歌词,主要特征是歌词分前后段,但是,由于中间情绪的变化,在谱曲时写成了AB 式,例如:《 太阳岛上》 A幸福的热望/在青年心头燃烧/甜蜜的喜悦/挂在姑娘眉梢/带着真挚的爱情/带着美好的理想/我们来到了太阳岛上/我们来到了太阳岛上 B幸福的生活靠劳动创造/ 幸福的花儿靠汗水浇/朋友们献出你智慧和力量/明天会更美好 这首歌词,前八句为一个段落既A段,后四句情绪变化了作为副歌处理为B段。这就变成了两段式。相反《又见炊烟》两个四句,平行段,在作曲上处理恰恰是一段体。还有副歌两段式和这个例子差不多,中间加一个衬词“啊”,情绪变化了,就成了两段式了。《这片土地》就是这种样式。
三段式,三段式是从一段歌词发展而来的为ABA结构式,它的特点是一段A和三段的A句数、内容要相同。例如:《歌唱祖国》五星红旗迎风飘扬/胜利歌声多么响亮/歌唱我们亲爱的祖国/从今走向繁荣富强。第三段仍然重复的是这四句。 三段式也有ABC结构式的,例如《红旗飘飘》三个段落各不一样。
多段式,这是指超过三段,每一段内容、情绪又都不一样的段式。因为,多段式歌词变化大,层次多,作曲的难度也大,一般很少有人写,这里就不讲了。
第四节:完整画好歌词这只凤
我把好的歌词比喻一只凤,它给人飘逸、给人美丽、令人神往……歌词写成功了,凤就活了。如何画好这只“凤”?让我想起了戏剧的结构特点——起承转合,形象的说,结构时要做到凤头、虎背、熊腰、凤尾。歌词的结构方法,我也想了这样几个字——立稳凤头、托好凤身、护好凤尾。也叫“起点要高、发展要新、结束要精”。
立稳凤头(起点要高)这里主要是指确立好主题,写好开头两方面。我们创作不能随心所欲,想哪写哪,一开始就必须确立主题,我们要写什么内容,要表现什么思想,这是歌词成败的关键。譬如,你要写和平题材,就要在这个大的范围中寻找一个突破点,有人用和平鸽表现。有人用鲜花表现。有人用歌声表现。你用什么表现,怎样表现?这里,举一个我自己写歌词的例子,我一直想写一个达斡尔族人热爱新生活的歌词,想了很久,最终定为写“敖包会”,起名《欢乐的敖包会》。从哪入手呢?我在构思时决定从外向内写,从宏观向微观写。结果成功了。因此,要立好主题。说到这一点,还有写好开头的问题。歌词的开头一定要开门山,不能云遮雾罩。说开头难写,关键是要对歌词的特点把握的准。《欢乐的敖包会》的开头看起来很平常,你细细的琢磨就会觉得这个头开的很好——金马驹驮来流云一片/绣花袍落下彩云一片/小路上的姑娘和小伙/把美丽的夏日带到嫩江边。这样写开头自然流畅,主题一下就带了出来。托好凤身(发展要新)这里主要是讲,主题确立之后,要写好内容,表达好情感。也就是歌词的发展段落,它像凤的脊背和肚子,一定要有内容。写法要精心铺排、句句连贯、步步深入为高潮做好铺垫。事实上,一首歌词的中心,主要靠这一段完成。我们的歌词在这里要具体、鲜活、典型、动人。还要把情感写透。例如:《再见吧妈妈》这部分写的就很精彩——你不要悄悄的流泪/你不要把我牵挂/当 我从战场上凯旋归来/再来看望亲爱的妈妈。中间短短的四句,无论内容还是情感都表达的淋漓尽致,令人折服。可见,要想托稳凤身,写好中段的发展`很重要。《再见吧妈妈》这首歌的开头四句——再见吧妈妈,再见吧妈妈,军号已吹响,钢枪已擦亮,行装已背好,部队要出发。写的非常精彩,如果中间发展的不好,就像一个人得了大头病,发展的好,也像一个人一样,曲线就表现出来了。但是,也有这样的情况,前边的四句,接着就是副歌,这时,这前四句就包含了头和身两部分,更要合理布局。
护好凤尾(结束要精)我们在生活中常听到这样的话“脚底没鞋穷半截”,如果收不好歌词的尾,前面的一切都白费工。我这里说的是歌词要收的好、收的住,同时,还要有余音。一段体,最后两句很重要。两段体,副歌很重要。三段体,第三段很重要。但是,一般三段体,有时第三段是重复第一段,这时在不影响词格的情况下,要有飞来之笔。例如《血染的风采》——如果是这 样/ 你不要悲哀/共和国的旗帜上有我们血染的风采。每段八句歌词,这后两句收的真如飞来之笔,为这首歌画上了完美的句号。还有一首外国的歌词《鲜花与士兵》,是用咬尾的手法写的,一气呵成,如何结尾?给人留下悬念,但是你看——鲜花那里去了/鲜花被姑娘采去了/姑娘哪里去了/姑娘被小伙娶走了/小伙哪里去了/小伙到军营里当兵去了/军营的士兵哪里去了/军营的士兵到前线去了/前线的士兵哪里去了/前线的士兵到坟墓里去了/坟墓那里去了/坟墓被鲜花掩盖了。请注意,如果没有这后两句,我们是不是会认为是玩文字游戏,在耍贫嘴,可是“坟墓那里去了/坟墓被鲜花掩盖了。”的出现,简直是让人叫绝。凤凰的尾翼是最美的,歌词的结尾也应该如此!
第五节:寻求口语化语言,增加歌词的艺术感染力
随着政治环境的变化,随着音乐文学的成熟,假大空、豪言壮语的时代已经过去,但是,假小空、套话依然没有杜绝,常用歌词200句的现象还在歌词创作中频频出现,歌词语言仍然存在许多问题。
如何解决?当然要感受生活、感受时代、感受变革时期人们的心理活动。在感受中思考、在感受中采集、在感受中创造。认识歌词语言的基本特点很重要。这一节,我谈谈歌词语言的问题,也就是如何在歌词创作中把握口语化的话题。
要想做到歌词语言的口语化,我认为有三忌讳, 1 忌讳华而不实 2 忌讳拖沓晦涩 3 忌讳多种意象 ;有三提倡 1 提倡开门见山 2 提倡形象准确 3 提倡深入浅出
毫无疑义,歌词和诗歌一样都需要美的语言,然而,由于歌词受音乐的制约,它的语言和诗的语言就有了很大的区别了。歌词语言三忌讳只是我的理解和认识,也许有偏颇。1,忌讳华而不实,其实,任何文体都忌讳华而不实,歌词尤其要注意。本来歌词的篇幅就很小,面似华丽,实为隔靴搔痒的语言再占去一些,这首歌词就费了。歌词的语言最忌讳形容词过多(并不是绝对的)形容词、装饰词多,就影响音乐的主题、音乐的想象空间。举个例子,同样写茉莉花,初学者可能认为写的越“美”越像歌词,于是,就会写成“像白玉、像月光、像少女亭亭玉立,像棉桃、像朝霞、像白云飘向天际……”写了这么长的两句也不知道写什么,“皮”厚自然不必说,人们如在雾里,音乐的形象就更难抓了。可是民歌《茉莉花》开头就叫你一目了然——好一朵茉莉花,好一朵茉莉花,满园花开,香也香不过她……这样朴实无华的歌词语言,一比一兴立刻就使人闻到一股沁人的芬芳。这样的歌词很容易被音乐接受、被听众接受,是我们写歌词的一篇好范文。说道忌讳华而不实,并不是反对歌词的文学性,关键是用的好,用的巧。《好日子》中写了阳光的油彩,月光的水彩……生活的花朵等很漂亮的句子,不但没有影响歌词的内容,反而,还增加了歌词的审美魅力。为什么?因为此时没有形容词了,全成了名词“阳光的油彩”而不是油彩般的阳光。“生活的花朵”而不是花朵般的生活。你们看,我说的是不是有道理。2,忌讳拖沓晦涩,无论是抒情歌曲还是叙事歌曲,简约、明快是它的基本要求。歌词不能写成“词报告”。一首词写成四段,每段十六句,从“猴子变人”写到信息化,这样显然不行。这里面有一个歌曲基本规律的问题,也有一个让听众真正听进去,记得住的问题。这就是听觉艺术的功能,决不能用歌曲代替政治报告。
谈到拖沓还有一个词句过长、空洞,没有层次、没有语言分工,总也不入题的现象,用一句民间说法“墨迹”。晦涩,是指语言生涩、难读、难懂、难记、或者咬文嚼字,或语意含混。举一个例子:“我的行囊装满许多泡沫,我还有筐提包和锁”还有一些生造的词句和无法唱的词句,如:城市里有一片虹霓,这显然是为了压韵,不顾别人能不能唱,演唱后人们能不能听懂,这和歌词的属性格格不入。3,忌讳多种意象,(也包括多种形象)一句或者一段歌词中的多意象是作曲的绊脚石。听觉的绊脚石。记忆的绊脚石。也会使作曲者找不到准确的形象,听众的听觉找不到通道,记忆找到不到记忆点,例如:“村庄里的阴沉鞋子里的沙砾空气里的麦芽气。一个桌子一个椅子一个杯子一种情绪”这样的句子作为诗也许可以,作为歌词绝对不行。关于三提倡,因为篇幅的关系,我在这里不多说了,举三个不同的例子来说明。“是你给我爱,爱向我走来”这就叫开门见山的写法:“生活像一团麻,总有解不开的小疙瘩”这就叫形象准确;“你也说聊斋,我也说聊斋,息怒哀乐一时都到心头来。鬼也不是鬼,怪也不是怪,牛鬼蛇神倒比正人君子还可爱”这就是深入浅出。上述的种种理由,就是强调歌词的口语化,口语化使抒情酣畅,有利于记忆传唱;口语化口语情态生动,有利于提供情境;口语化亲近自然,有利于贴近听众。但是,口语化决不是浅薄。歌词语言要不断创新,近些年来,一些歌词语言确实有了很大变化,总的特点是吸收了绘画和舞蹈的变形艺术。例如:“窗外两三枝樱桃,每年开一次喧闹”,“心灵是快乐的自治区”以及上述的《好日子的》歌词等等,这些语言或意识形象化、或形象意识化、或意象重组化,这是一种很好的尝试。由于这种变形化语言的出现,改变了现实主义传统叙事和抒情的具像的直白的结构方式,把新诗的一些特点吸收进来,在不违背音乐规律的情况下,给歌词注入了生机和活力。第六节:用色彩、声音、装扮美丽的歌词
我们掌握了歌词的基本属性、掌握了歌词的种类、掌握了歌词的体式、段式,接着,就想把歌词写的更好,这里面除了需要大量的实践,有些成名词作家的经验不可忽视。这一节,我给大家讲一讲如何在歌词的语言中用好色彩、声音。
我讲歌词语言中运用好色彩,是一个写作手段的问题,关于歌词特色中的民族色彩、地方色彩、时代色彩、是另一个话题,在这里就不涉及了。
色彩是歌词美丽的时装
一首好的、能给人留下印象的歌词,除了主题、哲理之外,歌词语言中能适当的运用色彩,也是成功的一个因素。我曾把歌词比作凤凰,色彩就是它的羽毛、它的时装。怎样在歌词中运用色彩呢?就是说,我们在写歌词时,要选择有颜色的语言,这样,写出来歌词自然会艳丽、生动。为了说明这个道理,我在这里举几个例子:像《祖国颂》在气势磅礴的词句中突然出现“高粱红,棉花白”十分夺目。像《回娘家》“身穿大红袄,头戴一支花”一下子就把喜气带了出来。还有“天空出彩霞,地上开红花”等,由于歌词中有颜色,内容、形象都丰满起来。我自己多年的创作也在努力的做到这点,例如《生长牧歌的地方》“好蓝好蓝的一条大江,好绿好绿的`一片草场”。例如《红灯红》等都是遵循这样的原则进行创作的。说到歌词中的色彩,有的是明写的,有的即使没有明写,由于选择了带有色彩的形象,也给人一种色彩感。像《希望的田野上》“十里荷塘十里果香”。像《祖国正是花季》花满江南/花开塞外/祖国啊祖国/你是花的大海/红梅吐蕊/ 唤醒新春/杜鹃烂漫/ 千姿百态/花汛奔去花潮涌来/万紫千红是你青春的风采。你看,这样的歌词是不是有色彩呢?!
声音是歌词流动的意绪
我们知道,歌曲的形态一直在抑扬、扬抑、或平缓或跳跃中行进着。为了使旋律流畅,鲜活,歌词一定要提供这种条件。在歌词中选择有声音的语言是一个很好的手段,它可以使歌词运动起来,跳跃起来,使歌曲在一种活跃的环境里向前发展。不但如此,它还可以使演唱者、听众有身临其境之感,让人们随着音乐徜徉在自然的景观中,形象、真实。好的歌词,特别是民歌更是如此。还是举例子说明像《全世界人民心一条》“胜利的旗子哗啦啦的飘,全国人民欢呼地动山摇”。像《那就是我》“我思恋故乡的小河,还有河边吱吱唱歌的水磨”。像“小雨淅沥沥”等很多。说到选择有声音的语言大多是指动性比较强的词句,有些词句虽然没有直接写出声音,由于动词用的好,仿佛使我们听到了声音,像“海浪把战舰轻轻摇”。像“让我们荡起双浆,小船推开波浪”。像 “(吁)(吁)夜空中传来口哨/声声悠扬,悠扬/(吁) (吁) 长长的一段旋律/牵着一个银色的月亮,(吁)(吁)总之,带有声音的语言在歌词中运用的得当,会增加意想不到的效果。当然,这也不是绝对的,还是应该从表现内容出发,能用则用,不要勉强,更不要画蛇添足。
第七节:情感内核——歌词之灵魂
歌词的主要功能就是要通过抒情来赞颂美好事物,赞颂美好生活来愉悦人们身心,陶冶人们情操。
歌词抒情的方面很多,像儿女情、父母情、男女情、战友情、事业情、家乡情、鱼水情、祖国情、英雄情……然而,无论抒什么情都要找到情感内核。什么是歌词的情感内核?说起来很抽象,但是又很具体,就是在歌词中最能表达情感深度的精华语言。
怎样才能作到这一点呢?这里要在创作时解决好三个问题:1、抓准动情源 2、找准动情点 3、结好动情尾。
在题材确立之后,首先一定要找好动情源,要认清什么样的动情情节能打动人,能让作曲家激动,能让听众激动,并且能发展下去。举一个例子《我们是朋友》这首歌词开头的四句“千里难寻是朋友/朋友多了路好走/以诚相见心诚则灵/让我们从此是朋友”抓的很好!是一个歌词的动情源,一句“千里难寻是朋友”,就把情煽起来了,就令人激动了。人们期待往下听,这个源头,就会带出许多的内容来。接下来就要找准动情点,于是,又出现了“结识新朋友/不忘老朋友/多少新朋友/变成老朋友。这两句是歌词的主题、是词眼、也是动情点,能表达歌词主题深度,因此叫感情内核!这个情感内核,也是作者在最激动时刻获得和抒发的最强烈的感受。动情源叫人激动,动情点就应该让人感动了,这时已经到了该急转直下的时候了,于是,歌词开始收尾,也就是结好动情尾。后两句“天高地也厚/山高水长流/ 愿我们到处都有好朋友。”恰倒好处,有了这两句歌词就完整了,这也阐述了这样一个道理,既然要结好动情尾,在听众已经被你煽动的十分动情时,这个时间一定不能过长。过长了反而减弱了动情点的爆发力。俗话说的好,见好就收,还会给人留下回味的余地。
讲到这里,大家可能已经认识到,情感内核是动情点,实际是由动情源、动情点、动情尾三个部分组成,缺一不可。这时我们也会理解为什么说情感内核是歌词的灵魂。
我们知道了上述的观点,怎样才能作的更好,下面我再给大家讲一讲歌词抒情的一个重要的手段,就是在歌词中一定要有我。只有把我融进歌词,歌词的抒情更真实、更动人。也就是感动自己才能感动别人,这是情感问题,也是一个技巧问题。许多歌词都是站在第三者或旁观的角度去写,有的好像在教育别人,有的好像在观赏风景,指手画脚,这显然不行,必须是你去唱、你去抒情,抒你的情。
歌词中要有我,就是一定要以第一人称去写,好的歌词都离不开我。只不过有时是“小我”,有时是“大我”,有时是“明我”,有时是“暗我”。通俗歌在这一点作的最好。还是举一些例子,大家会更明白。翻开歌本,先从歌名上就一目了然。例如:《我的祖国》《我的大东北》《我不想说再见》《我的根在中国》《长大后我就成了你》《我告诉你》…… 当然有一些表面没有我,其实里面含了一个我。例如:《跨世纪的新一代》《沟里的妹妹梁上的哥》《想家的时候》《心中珍藏一片爱》…… 由此可见,歌词中的我是抒情的制高点、辐射点,是歌词创作中的绝对真谛。
第八节:通俗歌曲歌词的基本特征
近些年,人们对通俗歌曲的无韵提出了许多质疑,有人感到这种“离经叛道”,对于中国几千年形成的传统文化简直不可思议。有人还认为,已经到了粗制滥造的程度。也有人认为,歌词既然是歌唱体,无论有韵无韵,只要有人谱,有人唱,只要能表达人们的内心情感,不要去指责它是否押韵。这些人也指出,不押韵不是绝对真理,这和一些写歌词的人根本不懂辙韵有关。
为了让大家进一步认识通俗歌曲的歌词,这一节我把在93中国音乐文学学会济宁年会上听到的发言和我个人的理解进行了整理,讲讲通俗歌曲歌词的特征。
通俗歌曲的歌词,确实和传统的歌词有所不同。有自己的特点自己的规律,自己的特征:
一.它有宣泄性 从通俗歌曲诞生的那天起,宣泄性就是它的主要特点,特别是一些摇滚乐歌曲更是如此。通俗歌曲从引进到自己创作一直在宣泄着。宣泄不是贬意,它可以起到健康和治疗的作用。能够利用歌曲来宣泄是社会的进步。
二.它有煽情性 通俗歌曲写情最真实、最细腻、最透彻、也最能打动人心。说它的煽情性,一是指它的内容而言,通俗歌曲以写情见长,所以抒情就有基础,煽情就自然而然,毫不用“炒”。说它的煽情性还指歌曲形式的本身,这种歌曲就像煽情的机器,有众多的狂热者追随其中。煽情性强化了通俗歌曲,通俗歌曲有煽情的本事。
三.它有时装性 说它的时装性,是指它变化的速度、是指它对潮流的把握,通俗歌曲充满流行色,劲吹流行风,对社会生活,对年轻人的心态反映相当灵敏,相当快捷,因此说它有时装性。
四.它有多元性 这是指它的内容和手法,而不可忽视的是它多重于价值观念的表现。价值观念是社会发展在人们生活中的体现,重于表现价值观念决非指经济而言,它是指人们从心理到形体、从存在到生长的一种自我表现、自我寻觅、自我叫卖……
五.它有平民性 通俗歌曲已经变成寻常百姓的一种生活,不管你承认与否,它每时每刻都渗透在我们日常的生活中,它实实在在是平民百姓离不开的调味品、调解剂。说它的平民性还有一条,那就是“不管你春夏与秋冬,躲进小楼成一统”。它很少涉及“大我”而重视“小我”。它不做表面文章,而重视和表现人们真实的心理状态。
六.它有哲理性 通俗歌曲虽然最讲直抒胸臆,虽然最讲娓娓道来,在它的歌词中也经常出现一种发人深省的警句名言,虽然是在普普通通中隐隐现现,确充满了哲理性。这些带有哲理的词句还会被一些商人、文化人、学生、甚至政治家接受。这一节因为篇幅的关系,没有举例子,只要大家认真的学习、思考,就一定能逐渐的掌握这些特征。
第九节:关于行业歌曲歌词创作
一个经济、政治、文化大变革的时代,必然出现符合这个时代的歌曲创作趋势,行业歌曲就是这个时代的产物,这些歌曲散发浓郁生活气息,闪烁强烈时代精神的行业歌曲,不但可以弘扬企业精神、振奋职工情绪、宣传厂、店、校的风貌、不但为推动社会主义建设精神文明建设发挥作用,同时也增添了歌曲的内容、繁荣了音乐创作。这些年,我被“捉”去写了很多行业歌曲的歌词,也积累了一些经验,这一章,我就谈谈怎样能写好行业歌曲。
应在行业的差异中寻找歌词的个性。为了不使行业歌曲千人一面,大同小异就要努力写出个性。一个企业有一个企业的精神,一个学校有一个学校校风,一个部门有一个部门的宗旨。写作时要从细微入手,去体验、去思索。有些行业从表面看没有多大区别,实际区别很大。例如,炼钢和炼铁同是冶炼行业就不一样。饭店和旅店同是服务行业也存在差异。职业学校和一般学校都同属教育还有区别。还有,同一种行业由于所处的地域、拥有的企业家素质、效益不同,就会形成独特的环境和氛围。这样的环境和氛围会对职工的思想意识、品质意识会产生影响。这样,就形成不同的厂校之风、企业之精神、行业之特色。因此,一定要扑捉到个性,这是关键。当然,写这类歌曲也有一个领导意图的问题,这不难,关键是你写的要标新立异,写好了他就会认可。
应在行业的行为中寻找歌词的可唱性。一些行业歌曲常常出现或写一些标语口号、警句,或者单摆浮搁地写企业精神,十分干巴。也有的歌曲写行业的生产流程、生产数字、发展沿革。还有的还专拣时髦词去写,例如“团结是我们力量,创新是我们的追求,改革是我们的动力”……没错,这些话是我们共同的认识,但是,不一定是你行业独有的精神!这样的歌词就是被强行谱曲也不能打动人。其实,歌曲创作的一些艺术手法同样适应行业歌曲,也要情景交融,也要以景喻意,也要煽情。另外,形象思维是文艺创作的基本要素。所以,我们在写行业歌曲时要靠形象说话,不能把领导的工作报告摘几句,凑个韵脚,然后再把当前报纸上的词句加一点。确实,有的人一写东西就抱回一摞报纸,回家去找去抄。为此,找出最能代表行业特点的景、物、声音、色彩以及生产工具。把这些做外壳去包容行业精神,就会有血有肉、就会自然、就会形象、就会生动、就会产生乐感。写到这里我给大家举一个例子。大家传唱的《我为祖国献石油 》其实是一首很好的反映石油战线的行业歌曲,它没有空洞的口号,也没有生产过程,它以第一人称“我”出现,亲切而自然地把庞大的石油大军浓缩在一个普通工人身上,唱出了石油工人的豪情壮志和独特追求,使人感到既有特点又不陌生。石油工人爱唱,大家都爱唱。由此可见,行业歌曲歌词的创作一定要找到“精华点”,然后,把词中妨碍情感发挥和音乐发展的多余枝蔓剪掉,由简入蘩、由蘩化简,让音乐的因素贯通全词,才能入乐、传唱。
作曲基础概念
乐理知识 2009-09-24 19:26 阅读65 评论0
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综合前面推演,我们可以得到一些结论;当我们要找五度音的时候,有下列方法可以运用:
一、 根据上至下( 6th string to 1st string )的音程关系得知,根音所在位置(第 m 弦第 n 格)的下一弦(第 m-1 弦)再加上两个琴格(第 n+2 格),即为五度音所在位置(当 m = 6 或 5 或 4 或 2 )。例如第六弦第三格( 6th string , 3rd fret )的 G ,它的五度音即为第五弦第五格( 5th string , 5th fret )的 D ;因为第三弦到第二弦的音程是较其它小半音的大三度,故需多加一个琴格(第 m-1 弦第 n+3 格)才是五度音所在位置(当 m=3 )。例如第三弦空弦音( 3rd string , 0 fret ) G ,它的五度音即为第二弦第三格( 2nd string , 3rd fret )的 D 。
二、 根据下至上( 1st string to 6th string )的音程关系得知,根音所在位置(第 m 弦第 n 格)的上一弦(第 m+1 弦)同样琴格(第 n 格),即为五度音所在位置(当 m = 1 或 3 或 4 或 5 )。例如第四弦第五格( 4th string , 5th fret )的 G ,它的五度音即为第五弦第五格( 5th string , 5th fret )的 D ;因为第二弦到第三弦的音程是较其它大半音的小六度,故需减一个琴格(第 m+1 弦第 n-1 格)才是五度音所在位置(当 m=2 )。例如第二弦第八格( 2nd string , 8th fret )的 G ,它的五度音即为第三弦第七格( 3rd string , 7th fret )的 D 。懂了吗?再推一次五度圈试试看?是不是简单多了呢?
五度圈 ( 四 )
通常我们一提到五度圈,很多人联想到的口诀就是 F , C , G , D , A , E , B !至于再进一步问什么意思?很多人的答案都是「默宰羊」!当我们把学吉他比喻成练武功,学乐理就相当于是练内功。很多人就是只背口诀而不去了解它的真谛,结果始终无法打通自己的「任督二脉」,突破瓶颈。
当我们学习五度圈的时候,首先必须要有一个认知就是它是「结果」而不是「原因」;换句话说,是很多乐理定义下推演出来的结论,经过综合归纳发现有着五度运行的规则,而不是因为五度圈的存在而去定义任何乐理。就好比九九表它是用既有的数学定义 2 × 1 = 2 , 2 × 2 = 4 去归纳出来的图表,而不是因为它的存在而去定义 2 × 1 = 2 , 2 × 2 = 4 。 Understand ?!很多人就是因为无法辨别因果关系,而终究脱离不了视乐理为洪水猛兽的梦靥。
言归正传, F , C , G , D , A , E , B 除了表面上看到的是以 F 为起始的五度运行外,它到底有什么实质的意义呢?让我们先试着分析下面这个图表:
调性( Key ) 自然音阶( Diatonic ) 升记号( Sharps ) 升记号音( Sharp notes )
G G, A, B, C, D, E, F# 1 F#
D D, E, F#, G, A, B, C# 2 F#, C#
A A, B, C#, D, E, F#, G# 3 F#, C#, G#
E E, F#, G#, A, B, C#, D# 4 F#, C#, G#, D#
B B, C#, D#, E, F#, G#, A# 5 F#, C#, G#, D#, A#
F# F#, G#, A#, B, C#, D#, E# 6 F#, C#, G#, D#, A#, E#
C# C#, D#, E#, F#, G#, A#, B# 7 F#, C#, G#, D#, A#, E#, B#
你发现了什么呢?没错! F , C , G , D , A , E , B 正是升记号发生的前后顺序;换句话说,没有 F# 就不可能有 C# 出现,没有 C# 就不可能有 G# 出现,以此类推!记得上音 乐课时 老师教我们如何依据五线谱上的升记号去判断调性吗?答案是五线谱上最右边升记号再升半音即为其调性!为什么呢?再看一次前面的升记号图表,相信它足以清楚地解答我们的疑惑 !! 这个时候现实的问题来了,你一定禁不住要问:知道这个乐理对于我的学习有什么实质的帮助呢?且先让我问你两个问题:
一、 什么调有三个升记号?
二、 E 大调有几个升记号?
如果你不知道五度圈与升记号之间的关联性,面对这两个问题时相信也是相当地困惑;现在就让我藉由五度圈准则来把这两个问题简单化。首先是第一个问题:藉由前面的结论我们知道三个升记号一定是 F# , C# 和 G# ,然后再将其最右边的 G# 再升半音便可得知答案是 A 大调。其次第二个问题,将 E 降半音即为 D# ,再依据升记号出现的顺序就不难发现答案是 F# 、 C# 、 G# 、 D# 四个升记号。很令人雀跃,不是吗?
五度圈 ( 五 )
经常我们朗朗上口的 F 、 C 、 G 、 D 、 A 、 E 、 B 之后,就是把顺序倒回来的 B 、 E 、 A 、 D 、 G 、 C 、 F ,它是否又代表着什么意义呢?聪明的你一定猜到了吧!公布答案之前,且让我们先看以下表格:
调性( Key ) 自然音阶( Diatonic ) 降记号( Sharps ) 降记号音( Sharp notes )
F F, G, A, Bb, C, D, E 1 Bb
Bb Bb, C, D, Eb, F, G, A 2 Bb, Eb
Eb Eb, F, G, Ab, Bb, C, D 3 Bb, Eb, Ab
Ab Ab, Bb, C, Db, Eb, F, G 4 Bb, Eb, Ab, Db
Db Db, Eb, F, Gb, Ab, Bb, C 5 Bb, Eb, Ab, Db, Gb
Gb Gb, Ab, Bb, Cb, Db, Eb, F 6 Bb, Eb, Ab, Db, Gb, Cb
Cb Cb, Db, Eb, Fb, Gb, Ab, Bb 7 Bb, Eb, Ab, Db, Gb, Cb, Fb
你看出来了吗? Yes ,没错! B 、 E 、 A 、 D 、 G 、 C 、 F 正是降记号发生的前后顺序;换句话说,没有 Bb 就不可能有 Eb 出现,没有 Eb 就不可能有 Ab 出现,以此类推!同样地,你还记得上音乐课时,老师教我们如何依据五线谱上的降记号去判断它的调性吗?「五线谱上右边算来第二个降记号即为其调性!」为什么呢? Why ? Why ? Why ?请再看一次前面的降记号图表,相信它已经清楚地解答我们的疑惑 !! 同样地且先让我问两个问题,好让大家感觉一下知道这个乐理对于学习上的实质帮助!
一、什么调有四个降记号?
二、 Db 大调有几个降记号?
现在就让我藉由五度圈准则来把这两个问题简单化。首先是第一个问题,藉由前面的结论我们知道四个降记号一定是 Bb , Eb , Ab 和 Db ,然后从最右边的数来第二个降记号音 Ab 即为其调性。其次第二个问题,依据降记号出现的顺序逐一数至根音的下一个降记号,就可以得知答案是 Bb 、 Eb 、 Ab 、 Db 、 Gb 等五个降记号。 Understand ?
五度圈 ( 六 )
F , C , G , D , A , E , B ………
B , E , A , D , G , C , F ………
日覆一日的背诵,你有记不住的困扰吗?这里提供一个小秘方给您参考参考!开始之前要先做一个小小的测验,只有正确回答的人才适用此一秘方。准备好了吗?问题是:吉他第六弦第一琴格是什么音?
以学吉他超过一个月的标准而言,脑海里马上浮现正确答案的「你」,算正常;
思考超过五秒才得知正确答案的「你」,得加油;
拿起吉他推算半天才知道正确答案的「你」,该找个老师喽!
没错,答案正是 F !
还记的前面教过在吉他弦上如何推算五度音吗?且让我们先把范围锁在五、六弦上,
F 的五度音是第五弦第三格的 C ,
C 的五度音是第六弦第三格的 G ,
G 的五度音是第五弦第五格的 D ,
D 的五度音是第六弦第五格的 A ,
A 的五度音是第五弦第七格的 E ,
E 的五度音是第六弦第七格的 B ,
拿出你的吉他,依上述逐条找出它的规律性!你看出端倪了吗?谁说爬格子的同时不能学乐理呢?
五度圈 ( 七 )
前面我们所讨论五度圈的相关乐理都是以大调( Major )为主,那么小调( Minor )呢?是不是又要再学另外一套小调的五度圈的相关乐理呢? Of course not !!我们一再强调学习的方式应该是举一反三、相互左证,才能达到轻松而有效率学习乐理的目的,也唯有如此才能摆脱死背无法活用的梦靥。
以调式音阶( Mode )的角度而言,大调( Major )是属于 Ionian ,组成音公式:
全音( W )、全音( W )、半音( H )、全音( W )、全音( W )、全音( W )、半音( H )。
C 大调( C Major )的组成音就是 C 、 D 、 E 、 F 、 G 、 A 、 B ;
而小调( Minor )是属于 Aeolian ,组成音公式:
全音( W )、半音( H )、全音( W )、全音( W )、半音( H )、全音( W )、全音( W )。
A 小调( A Minor )的组成音就是 A 、 B 、 C 、 D 、 E 、 F 、 G 。
你发现了吗?原来 C 大调和 A 小调之间有着相同的组成音哩!这种关系在乐理上我们称之为「关系大小调」( Relative Major & Minor )。或者我们称: C 大调为 A 小调的关系大调, A 小调为 C 大调的关系小调。
这代表着什么意义呢?
第一、不必浪费时间再去学习小调的五度圈相关乐理,因为只要找出它的关系大调,问题就迎刃而解了。第二、前面讨论过的大调五度圈相关乐理相对地变的更重要必懂,因为如果连大调都不懂,那么小调就更别提了,你说不是吗?!
很明显地,我们下一个课题就是要找出关系大小调之间的推算法则!根据前例( C , Am 为关系大小调)我们不难发现,如果从大调根音推算的话,它与其关系小调的根音之间的音程距离是大六度( Major 6th )!如果换个角度以音程转位去推算,小调根音与其关系大调根音之间的音程距离则是小三度( Minor 3rd )。相较之下,我们当然以较短音程距离为关系大小调之推算参考!结论也就是,大调的根音往前减三个半音( 3 Half Steps )即为其相对小调之根音,同理反推,小调的根音往后加三个半音( 3 Half Steps )即为其相对大调之根音。
如果以吉他琴颈来推算的话,大调根音所在位置往左(吉他弦枕方向)推三个琴格( 3 Frets ),即为其相对小调根音所在位置;同样地,小调根音所在位置往右(吉他琴桥方向)推三个琴格( 3 Frets ),即为其相对大调根音所在位置。懂了吗?不是很困难但是很重要喔
简单的作曲技法
第一节 歌曲的曲调(旋律)
想要创作出一首好听的歌曲或乐曲,要考虑到很多方方面面,节奏特点、调式特点、歌词等等。对于音乐作品中的节奏是从生活中概括分离出来的,但它不同于生活节奏,音乐节奏比日常生活更有感染力,时值较短而密集的节奏多表现于紧张、轻快、活泼的音乐;缓慢悠长的节奏则多用于宽广辽阔的情趣主要用于低沉、优郁的情趣;而要表现整齐单纯化时,时值不长也不短的节奏,多用于感情平稳,对比不大的情绪中;如采用长短相结合的节奏多表现于对比鲜明的情绪中。歌曲语言的节奏也直接影响着曲调的写作,因为不同功能的字词在节拍、节奏中的作用也不同。
第二节 音乐主题
在一首歌曲或乐曲中要有一个能够集中的概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题,乐曲的长短要根据内容而定,象一条主线贯穿全曲,并成为全曲曲调发展的基础。在歌曲中音乐主题一般都是根据第一句歌词所创作出来的,有些音乐主题前会先出现一些影句、影子等对主题进行引导烘托,有些音乐主题要放到歌曲的中心内容,就不一定会出现在开头,而有些歌曲的主题,往往根据半句歌词更加上衬字拉开来创作的,另有一些歌曲的主题,虽然也是根据歌词的第一句创作的,但加了许多虚词和衬字把主题加长了。
一首歌曲或乐曲中,主题的数量是根据作品的结构而定的,有的只有一个主体,有的却有两个或两个以上的主体,有一个段落构成只有一个主体,有两个以上段落构成就有两个以上的主体。
一首歌曲或乐曲的主题是怎样配酿制作的?首先是从研究歌词开始的,要进行反复吟颂,借此来了解歌词的意境,进行研究分析,并对内容理解,对歌词意境要有音乐形象、有初步的构想为乐曲的需要,并对歌词作修改和修整。要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象,才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次,对于体材也要选择合适的,根据内容需要量体裁衣,更增加作品的表现力和艺术感染力,不应跟文学性走;最后,应具有鲜明的个性等素材。
第二节 音乐主题的发展手法
对于一个好的作品首先要遵循两个原则:统一性原则和对比性原则。
统一性原则-重复手法:重复是巩固音乐主题,深化音乐形象,统一歌曲内容和构成曲式平衡完整所不可缺少的正确手法。如果能够恰当的运用重复手法,使那些最有特性而最能再现音乐思想感情的乐思多次地表现出来,就可以加深人们对音乐形象的印象和记忆,从而能够对音乐内容更深刻地理解。重复手法分为严格地重复和变化地重复。
严格重复:因由于仅有一种模式,一成不变地,所以它的作用也仅仅只是起到一定程度的强调、支持和稳定的作用。
变化重复:在音乐作品中运用较多,这种手法既保留了音乐主题的主要特性,又把主题加以各种变化,使作品在统一中又有变化。而对于变化地重复可以使节奏重复、装饰音重复也就是我们通常所说的加花,还有进行局部地重复、音程变化地重复,还可进行对乐曲的扩充和补充。
节奏重复:往往体现在节奏与音调相对比的互相变化中,如果节奏不变而音调不断地变化,为节奏严格重复;如果音调不变、基本不变、主要部份变化或者主要部份不变的前提下,节奏则进行收缩变化。
装饰重复(加花重复):这种重复对音调节奏基本上不改变,只是将曲调或曲调片断加以装饰性的变化,使曲调更加活泼,富有生气。
局部重复:是一种既重复前面的部份调,同时又加入新的节奏和音调的民展手法。
移位重复:模仿进行它是把前面的旋律片断或乐句做为原型,移高或移低若干度数,再或多次重现。移高或移低以后的音程关系与原调的音程关系完全一致,称为严格移位;移高或移低后的曲调关系与原曲调的音程关系有所不同,这种为自由移位或自由模进;如在移位中有自由和不自由的移位,叫做混合连续移位。重复和模进的手法可以综合的使用。
变化重复:是在节奏重复的模式下,以一个或几个音,为支称点,使音程逐渐扩展或缩减的发展手法。
补充与扩充:曲调落到主音后,再重复前面的歌词和曲调的(主要用在句尾)叫补充;曲调没有落到主音,而再重复前面的歌曲或曲调(用在句前或句中)叫扩充。
对比性原则:可以是节奏的对比、音区的对比、速度,音色、节拍以及调式、调性的对比。
节奏的对比-----同一节拍内运用不同节奏手法,使音乐产生对比。
音区的对比-----运用不同的音区(也包含一定的音色变化)的对比。
速度的对比-----运用不同的速度进行音乐的过渡或突变(这种表现往往是用在表演的)。
音量的对比-----主要反应在力度符号和运用声的增加可减少(这种对比往往用在多声部中)。
音色的对比-----运用不同的音色,产生不同对比。
节奏的对比:运用不同的节奏,使音乐产生不同的情绪,呈现出不同的音乐形象。
在音乐的发展过程中,音乐的情趣在不断增长,而达到全曲的最高点,一般这点为高潮点。而对于歌曲(乐曲)情趣发展的高峰,是全曲最集中、最突出、最紧张而又扣人心弦的地方。由于作品的内容体积等的不同,歌曲高潮所占的音乐篇幅也有所不同,较大高峰可能只是个音乐片断-----一个高潮区,而较小的高峰区可能是一两个音-----高潮点。对于一个作品它的高潮如何形成,单一阶段的一段体歌曲(乐曲)只有一个高潮,多断体结构的歌曲有几个高潮,大型音乐作品中则会有更多的高潮,高潮多的则会有主次之分,这是构成音乐形象交响起伏的主要方面。对于一首歌曲或乐曲它的高潮位置则是由歌词歌曲的内容来决定的,它应该和歌词的布局发展一致。高潮的形成首先要经过音乐材料的呈示展开来,情绪的酝酿和推移、到最高点时已达到作品的3/4处,酝酿和准备高潮的时间比较长,而真正高潮的出现则是短暂,紧接着的是收缩、收拢和平息,收拢、收缩要根据乐曲的结构的对称和平衡来决定,它可长可短,如果进行不合适的拖长,从而使歌曲显得很拖沓,反之不合适的过短,则使歌曲显的刹不住车,会产生意犹未尽的感觉。在一首旋律真正能够体现它的高潮部份是能制造出一个紧张度的过程。
在这里有几个方法:可以使用旋律线的作用,连续地模仿进行,或变化模进(是我们常用的曲调线),这样连续的级进能够使曲调平稳的进入高潮,但这样形成和酝酿的过程时间较长,曲调线起伏小,高潮的力度起伏不大,不突出,如果运用突然的跳进,这时音乐起伏强烈,情绪变化大,力度强、气势大,这是采用音程变化重复的手法;利用节奏的松紧变化,以及强烈的对比变化而进行紧张度;使用变化音造成不稳定的音(使用变化音也可造成移调、转调的感觉)从而形成紧张度进行乐曲的高潮部份;还可运用织体的由简到繁的变化而形成紧张度。
音乐理论说到底就是作曲理论。但因过于专业化而不易普及。这里仅就重要内 容加以简介以为自学者提供方便。
一.和声学
和声学是研究多个音共同发声的效果,规律的学问。若将旋律比作“骨”则和声就是“肉”,只有有了和声,音响才变得丰满、协和、动听。和声学地位非常重 要,可谓是一切音乐理论的基础,许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。但和声学内容浩繁、规则很多,不易学好。中篇小说《你别无选择》(刘索拉著,“新时期争鸣作品”)中的那个教授自称学了八年还没学好,可见难度之大。但掌握和声 学基本常识得益最大,值得一试。这里简单介绍一些重要的基本概念和术语。
(一) 三和弦
由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫“三和弦”。三和弦是构成和弦功能的最基本的和弦,用得最多。按结构分,三和弦有“大三和弦”、“小三和弦”和“减三和弦”(只有一个)。按功能则可分为“主和弦”(主音为根音的三和弦)、“属和弦”(属音的三和弦)和“下属和弦”(下属音的三和弦)。此外,每个三和弦又有两个转位和弦。主、属、下属这三个和弦称作“正三和弦”,其余的四个叫作“副三和弦”。这四个副三和弦又分属“属功能”组和“下属功能”组。现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三和弦分列如下:
根音功能种类符号
1 主和弦 大三 T(或Ⅰ)
2 二级和弦(下属类) 小三 SⅡ
3 三级和弦(属类) 小三 DⅢ
4 下属和弦 大三 S (或Ⅳ)
5 属和弦 大三 D (或Ⅴ)
6 六级和弦(下属类) 小三 SⅥ
7 七级和弦(属类) 减三 DⅦ 除了DⅦ这个减三和弦外,其余六个三和弦都是协和和弦。
(二) 七和弦,九和弦,变和弦
三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”(属和弦形成的七和弦)。重属和弦、减七和弦也时常碰到。若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。九和弦也都是不协和和弦。若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个 音,这样的和弦叫“变和弦”。九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握,故应用较少;简单作品中基本不出现。
(三)和声声部
声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方,低音部在最下方,中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”,而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部;两个内声部主要是配置和声,也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中,内声部要求充实平稳,声部间不许交插。低音部始终是和声中的最低音,决定着根音,故它不仅起着基础作用,而且领导着和声的走向,其作用十分重要。 “四部和声”的写作是作曲的重要技能之一,作品不论大小,均应以此为起点(主旋律确定之后,即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部,故总谱可按和声声部写 ,也可按乐器分组写:如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往往各异:或富丽堂皇,或雄浑宽厚,或清澈透明。如瓦格纳的作品即以 华丽著称。
(四) 和声的进行、连接、“解决”
和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止;各声部也要为此恰当地过渡 , 连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定”再到“稳定”;由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的图式为:T-S-T,T-D-T 或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能 圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和 弦)在进行,连接中向协和和弦转换的方式,其基本法则是将各声部的音向各自最靠 近的协和音过渡,如 7→1;4→3,等;而协和音保持不变。
(五) 关于和声的“力度”
《你别无选择》中的那个叫森森的高材生热衷于模仿贝多芬,但由于贝多芬 “力度盖世”而使得他成天在钢琴上乱砸以寻求“力度”。他的一句口头禅是“ 妈的,力度!”通常力度是指音响强度,用意文表示,如“p”代表“弱”,“f ”代表“ 强”,“sf”为“特强”等等。但这里的力度则是另一个概念,否则用脚踩钢琴那 “力度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要指音响效果的力度 ,即和声的力度。和声的力度大概与和弦中包含的泛音系列的谐振频谱有关。因此也就与声部的数量及音程距离有关。一般说来,小三和弦的力度不如大三和弦;单音程的力度不 及复音程(超过八度的音程)的力度;协和和弦的力度不如不协和和弦(减和弦除外) 。所以森森才“在九和弦再叠加一个七和弦”。*如何学习 和声学
(1).充分理解基本概念,不必死记规则。和声学规则虽多但限制却少。况且记住这些“禁条”就不会犯大错,因此应先记“禁忌”。
(2).坚持做习题。音乐不同于数理化,它无绝对的标准,习题也非一种答案。只有多做多练才会记牢,提高。
(3).多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单,好懂又好听的曲子。
二.曲式学
曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变 奏 曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A,B,…”表示。如 “两 段体”的曲式图式是“ AB ”;“三段体”的图式是“ ABA'”,第三段 A'与第一段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式 。而“圆 舞曲”则常采用回旋曲式。
三.复 调
“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律,其它声部仅起衬托作用,这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个,且各声部横向上彼此具有独立性,纵向上构成和声关系,形成和协的有机整体,则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中,各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律” 、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法,应用甚广,其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一,巴赫将其技巧发展成熟。
四.对位法
对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础,使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱,四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
五.旋 律
旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征,好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”,动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来 ,一 定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性 :它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美 ”,认为好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧性是很强的,其发展手法多种多样,最为丰富。常用的发展手法有:重复,模进,模仿,紧缩,扩展,变化,对比,变奏等。多数概念的讲解要 通过板示和视听。(见音乐欣赏讲座(3))。
六.配 器
配器法是管弦乐的写作技法,故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用,因此学一点配器知识很有实用价值。
学习配器法是要解决如下问题:
·各种乐器的发声原理,音色,音量及演奏法等 。
·各种乐器间音量上的匹配关系 。
·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。
现假设一个例子:我写了一部小提琴协奏曲。但小提琴手拿到谱子后来找我说:没法拉。我坚信写作没有问题:旋律优美、和声丰满。问题在哪?可能有三 。一是分谱的音域不对,上限或下限超出小提琴的音域范围。二是我把三和弦写成三个音,而小提琴最多只能同时拉出两个音,琴手当然没法拉。三是和弦音程过大:如一个音在G弦(四弦)上,而另一个则跑到了A弦(二弦)上。当中隔着一根弦,你让他(她)怎么拉?! 再如,一个乡镇企业发了以后买了一堆洋乐,组成了乐团,排演了节目,遂请专家光临指导。可指挥看后大摇其头,表示爱莫能助 。原因是⑴乐器数量不匹配,有些超过大型乐团;⑵不讲配器,搞大齐奏,这是专业乐手也难以办到的。 以上两例失败原因盖出于不懂配器常识。此外,在通俗歌曲伴奏中,若不适当运用配器法也可出现一些问题,如“杂乱无章”,“喧宾夺主”之类。但电声 乐器的发音、音色、功能特点及演奏技巧等都与传统乐器迥异,自成体系,故传统配器法基本不适合于纯电声乐队。
音乐基本常识
乐理知识 2009-09-24 19:22 阅读85 评论0
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1:音(Tone)
是一种物理现象。物体振动时产生音波,通过空气传到耳膜,经过大脑的反射被感知为声音。
人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右,而使用到音乐中的音(不含音),一般只限于 每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。
2:音色(Tone-color)
指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的,包括基音和泛音,音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的,音乐的颜色分为人声音色和器 乐音色。人声音色分高、中、低音,并有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器,各种打 击 乐器的音色是不同的。
3:共鸣(Resonance)
共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时,引起了其它物体的振动,并发出了声音,产生了 共鸣。
4:基音(Fundamental tone)
物体振动时所发出的频率最低的音是基音,其余的为泛音。基音决定音高。
5:泛音(Harmonic overtone)
除了发音体整体振动产生的最低的音是基音,以基音为标准,其余1/2、1/3、1/4等各部分
也 是同时振动,是泛音。泛音的组合决定了特定的音色,并能使人明确地感到基音的响度。乐器 和 自然界里所有的音都有泛音。
6:音高(Pitch)
音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高,频率少则音低。目前国际通用的标准 音"a",是每秒振动440次的声音。
7:音名(Pitch name)
音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一,在各个国家是不同的。被广泛 采用的是:C D E F G A B。
8:唱名(Syllable names)
唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。 大调的主 音用1do,小调的主音用6la。
9:音域(Compass)
人声或乐器所能达到的最低音和最高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音 域、人声和乐器音域。
10:调性(Tonality)
调性指调式类别与主音高度。在乐曲中,主音是旋律、和声的核心,其它音与之发生从属关系 最后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。
11:音阶(Scale)
指调式中的各音,从以某个音高为起点即从主音开始,按照音高次序将音符由低至高來排列, 这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行,由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶,就是以 最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。
12:五声音阶(Pentatonic scale)
由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如:do、re、mi、sol、la、(do)。
13: 大调(Major mode)
调式的一种。七声音阶,其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外,其余均为全音。大调的色彩较为明朗。
14:小调(Minor mode)
调式的一种,七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调" 、"現代小音阶"四 形式。 小调的色彩一般较大调黯淡,常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调(小音阶)的二三 两音间 与五六两音间为半音。
15:纯律(Just intonation)
与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均, 所以不能随便转调,现已被历史所淘汰。
16:主音(Key-note)
调式音阶里的第一音。十二平均律(Temperament)音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音,半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。
17:半音、全音(Semi tone、Whole tone)
将一个八度音分成十二等份,每一份为半音,两个半音相当于全音。半音相当于小二度, 全音相当于大二度。
18:协和音程与不协和音程(Consonant,Dissonance)
根据协和的程度可分为完全协和音程(纯1、4、5、8度)和不完全协和音程(大、小 3 、6度)。除此之外都是不协和音程。
19:音程(Interval)
指两音之间的距离。计算音程的单位称"度",两个音之间包括几个音节就称几度。度数相 同 的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。
20:十二音体系 (tweleve-tone system, tweleve-note system)
现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋柏格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性 与和声体制,将半音音阶中的十二个音任意排成一年音列,然后以倒置、逆行等技法加以处理,除非所有的音都出现过,否则任何一个音不得重复。
21:五声音阶 (prentatonic scale)
八度内有五音,谓之"五声音阶"。
22:七声音阶 (diationic scale)
八度内有七音,就称为"七音音阶"。
23:力度 (dynamics)
力度指演奏、演唱乐曲时音响的强度。以力度记号表示,如f(强)、p(弱)、<(渐强)、> (渐弱)等。
26: 不定音高 (inderterminate pitch)
乐曲中所采用的没有明确音高的声音叫不定音高。实为噪声,原不属于乐章范围。现代派作曲家常用之,如锯木声、折纸张声、打字声、扫地声、敲击声、嘘声、呼啸声等等。
27:不对称节奏 (asymmetric rhythm)
又称"复节奏"(polyrhythm)。在同一乐句或小节中,各声部的节奏不相一致;或在同一小节中,组成各节拍的时值不相一致。广义言之,复调音乐都属于奇异节奏。现代派作曲家所用的奇异节奏,是一种高度复杂化的节奏。
28:切分音 (synopation)
变换小节中强弱拍位置的一种节奏。其形成的格式如下:
(1)、弱拍音延续到强拍位置;
(2)、休止强拍位置;
(3)、弱拍音改为强拍。
29:无调性 (atonality)
指乐曲的构成没有一定的调性基础。
34:平行五度 (parallel fifths)
乐曲的两个声部隔开纯五度作平行进行。十五世纪以来,在对位与和声上都规定应避免平行五度之出现。
35:平行减七弦 (parallel diminished seventh)
和弦进行的方式之一。减七和弦由四个音连续小三度叠置而成,其特点是无明确的倾向性,减七和弦连续出现而不加解决,就是"平行减七和弦"。
37:节奏 (rhythm)
构成乐曲的基本因素有乐音的高度、乐章的时值(包括休止)、乐音的强弱三种。 表现于时值与强弱方面的,即乐音的有规律的轻重缓急,称为节奏。
38:节拍
乐曲中周期性出现的节奏序列。
42:主调音 (tonic keynote)
调式的中心音称为"主调音"。
43:主调音乐 (homophony)
复调音乐及单调音乐的对称。多声部音乐的一种。以一个声部作旋律(曲调)进行,其余声部居于和声衬托的地位。
45:半音音阶 (chromatic scale)
相邻二音的间距为"半音",谓之"半音音阶"。
50:全音音阶 (whole-tone sacale)
相邻二音的间距皆为全音,谓之"全音音阶"。
53:华彩段(cadenza)
插于乐曲尾处的辉煌的即兴演奏段落。由独奏者即兴展示其演奏技巧。作曲家与演奏家常为他人的作品写定华彩段。
55:声部(part,voice)
指重唱、合唱、重奏、合奏乐曲中同时进行的各旋律线。如弦乐四重奏有第一小提琴、第二 小提琴、中提琴、大提琴四个声部;混声合唱有女高音、女低音、男高音、男低音四个声部。
57:转调(modulation)
乐曲在进行中变换调性。转调是重要的作曲手法之一。简单的转调常在近关系之间相转。
58:拍子(beat)
小节的单位时值。小节的拍子结构以拍子记号(time signayure)表示。
62:和声(harmony)
不同高度的乐音同时发声,谓之和声。和声学的研究对象为:和弦的结构、和弦的连续法则 、和弦在乐曲上功能属性、和声学是作曲技法的重要组成部分。
63:和弦(chord)
和声的结构单位。在自然音阶的和声体系中,和弦由音阶上各音连续三度叠置而成。三音叠置,即成三和弦,由C、E、G三音组成;其属七和弦,由G、B、D、F四音组成。
65:变和弦(altered chord,Chromaytic chord)
和弦的组成音中有不属于同调性的音出现,谓之变和弦。变和弦常作为转调的准备。
66:〖单调音乐〗 (monophony)
单旋律的音乐。复调音乐及主调音乐的对称。即不附带任何对位声部、衬托句及伴奏等,只有一条单纯的旋律线。古代音乐及大多数民歌,都是单调音乐。
69:复调音乐(polyphony)
单调音乐及主调音乐的对称。由两个以上各自独立而又根据和声法则同时进行的声部组成的音乐。其性质与"对位音乐"(counterpoint)基本相同。
70:复对位(compound counterpoint)
凡对位音乐的各声部可以高低易位者,统称为复对位。复对位按声部数量可分为二重对位、三重对位、四重对位等。
71:音域(compass)
人声或乐器发声的音调广度,常以其高低两极音表示之。各种音域,其各局部的音质不相同,这种局部,称为音区(register),在人声则称为声区。
72:音程(intreval)
两乐音之间的音高差距。通常以自然音阶两音之间的音级数(包括边缘两极)作为音程的量度。
73:音高(pitch)
乐音在音阶上的绝对高度。如C音、D音等。在物理上,音高决定于发音体的振动频率,在 心理感觉上,音高之决定还稍受音的响度的影响。
74:音调(idiom)
某一时代、民族、地区、流派、作曲家特有的音乐风格。如言某民族或某的民歌音调。
75:音阶(scale)
音乐上所用的音,根据一定规律,在八度内按高低次序排列之,即成音阶。世界各民族各地
区,皆有其独特的音阶。
78:美声唱法(bel canto)
声乐表演风格之一。十八世纪流行于意大利。演唱者追求音质的优美、自然与歌唱表演的华丽、辉煌,而忽视词意和感情等的表达。以运用美声唱法著称的作曲家有贝里尼、多尼采蒂、罗 西尼等人。他们所作的歌剧常称为"美声歌剧"。
80:配器(orchestration)
作曲法的组成部分之一。指器乐合奏曲中各种乐器的配合。其内容要点为各类乐器性能、各类乐器的音色对比与配合效果、乐曲原音响统一效果。配器除用于初始写作之外,亦常用于现成乐曲
配器,如将钢琴曲、重奏曲等,改编为管弦乐曲。
81:调式(mode)
据以构成乐曲的基础音列。其中一音为中心音,其余各音与该中心音具有依存关系。调式的中心音称为"主调音"。以主调音的音高表示调式,谓之"调性"。乐曲之构成而无一定的调性 基础者,谓之"无调性";同时以两种调性为基础者,谓之"多重调性"。
83:旋律(melody)
不同高低与不同时值的音前后相连,即成旋律。旋律的要素一为音高,二为节奏。较原始的音乐公有旋律,甚至仅有节奏。现代音乐也有只求和声与配器等的新奇效果而忽略旋律的。
94:音乐的基本表现手段
音乐的基本表现手段是:
(1).曲调旋律、节奏、拍子、速度;
(2).调、和声;
(3).力度;
95:音乐的分类
(一) 音乐按声部和声部状况可分为:单声部音乐、.复调音乐、主调音乐。
96:音乐的分类
(二) 音乐按照性质分可分为:纯音乐、标题音乐、轻音乐、爵士音乐。
97:乐音体系
在音乐中使用的、有固定音高的音的总和,叫做乐音体系。
98:调号
变化记号若使用在整首曲子中,使这首曲子中的每逢指定的音都要升或降,那这時候这个变化记号就被称之为调号。
99:节拍
强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式,叫做"拍子'',正常的节奏是按照一
定的拍子而进行的。
100:旋律
又称曲调,它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主 要的手段,是音乐的灵魂。
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