混音是什么？它很重要吗？

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混音是什么？它很重要吗？

混音（Mixing）是音乐制作中一项非常重要的工序，但是由于它的幕后特性，普通听众对其了解甚少，市面上关于这方面的文章很少，所以我想结合我多年的研究和心得，为大家做个普及。

混音的基本定义为：混音是一种对由录音、采样或者合成等方式形成的多轨声音素材的处理，即把这些多轨素材经过平衡和调整，混合为完整的音乐成品。混音是对音乐的编曲配器、演奏演唱、情感表达、创新理念的音响展现。

声音存在掩蔽效应，当多个不同的声音同时发声时，它们会相互干扰、相互遮蔽。在现实环境中是如此，把声音录下来之后用喇叭等设备重放的时候，这种现象会更加严重。有人可能会问，觉得哪个声部小把它放大不就完了吗？问题是这样一来其他的声部又被盖住了，而音量又不可能无限竞赛下去，那样只会让音频系统失真（这可不是吉他手们热爱的那种失真……），所以我们只能在有限的范围内，运用很多其他的方式来达到一种平衡。有人将混音比喻为在笼子里跳舞，我觉得还是挺形象的。

最早的录音重放是单声道的。立体声技术的出现，让录音的重放在听者前面打开了一个60度宽的面，混音师可以在这样一个有宽度的虚拟舞台上摆放不同声部的位置，后来又出现了5.1/7.1的环绕声（不过环绕声在现代音乐领域一直没推广开，我研究生论文写的就是论现代音乐的环绕声混音……），但也不过只是在某种程度上缓解了掩蔽问题，对于任何一首多声部的音乐，依然需要做很多的后期处理，才能让各个声部层次分明、清晰可辨。

其实我们也可以认为早在西方古典音乐里就已经有了混音的概念。交响乐团里的那些乐器都是经过长期实践后挑选出来的，它们需要在音色上和数量上进行合理的搭配，以使得合奏起来能够得到音乐家想要的、融合的平衡的音响效果。作曲家在编曲配器的时候就得考虑实际合奏出来会是什么样，指挥则要按照作曲家的意图（也有自己的理解）指挥着乐手们，经过反复的排练，使其在正式演出的时候一次性准确再现。也就是说，古典音乐的混音基本上是在编曲、演奏的过程中就完成了的。录音技术发明之后，古典音乐的录音师要做的就是把这种经过几百年的发展完善、能够在原声状态下现场演奏就能达到平衡的音乐形式给忠实地记录下来，后期要做的处理不多。

现代流行音乐所使用的乐器，除了传统的原声乐器，还有大量的电声乐器和电子乐器，它们各自的特性导致了，如果没有分轨录音和混音，它们无法在同一个空间里同时演奏还能得到清晰分明、比例平衡的结果。例如，如果你听过一套架子鼓的原声演奏就知道，光是架子鼓自身的各个部件之间，如果没有经过拾音、混音的话，就无法获得令人满意的音量比例（镲片的声音非常大，而最能体现歌曲节奏律动的底鼓则显得音量偏小，一旦有其他乐器如贝斯等加入进来，底鼓则可能完全听不见了）。音乐里每加入一个新的声部，掩蔽问题就会更加严重，以至于编曲想要传达的信息和细节无法有效的传达出来。

所以现代音乐基本都采用分轨录音、混音合成的方法。一首歌的不同声部通常都不是在同一空间、同一时间里录的。为了让后期混音有更大的处理自由度，前期录音要尽量不带空间信息（混响要少），尽量清晰干净（杂音要少），这催生了我们所熟悉的那种强吸声、强隔音的录音棚。