关于配器的相关知识

Alesis · 发表于 2005-7-11

基本配器十原则”

一、音色无好坏，运用有优劣。慎重选择演奏主要旋律的乐器音色，有其是主要的初次陈述，做到风格、性格、情绪或形象恰如其分，非他莫属。

二、“音色保留”有利于特定音色出现时的新鲜感。所谓音色保留，指当你需要一个重要的音色陈述一个重要的旋律片断时，其前面的配器应尽可能少用或不用该音色的乐器。如休止几小节或一个小段落，即故意“藏匿”一会，再露面时，常有“容光焕发“的效果。

三、“音区保留”是突出旋律的有效方法。所谓音区保留，指当主要旋律声部处于低音区或中音区时，要给他留出不受干扰的活动空间，其他织体因素最好不要在此音区出入。

四、和声节奏宜宽不宜紧。乐队曲中和声节奏的通常以宽为主，效果会更好些。比如一个乐句，或配一个和弦，或配两个和弦，切忌和弦变换的频率过快，以致和声音响混乱。

五、“上秘下疏中不空”是和弦排列的基本原则。要注意低音区用密集的排列、中音区空洞无声部。特别是在配置音区分布较宽的全洲和弦时，遵循上秘下疏中不空的原则，才可获得均衡的有良好共鸣的音响效果。

六、重视“乐队踏板音”的使用。当音乐织体中和声音型程分解和弦形态并由多件乐器分别演奏时，若选择音色融合性较强的乐器以长音的形式予以支持，可避免乐队音响的干涩。这种做法有如钢琴演奏时延音踏板的效果。

七、乐队织体的清晰依赖各要素之间的对比。注意把握织体内部旋律与其他因素(如伴奏、陪衬等)之间在音色、音区、力度、形态等方面的对比。有对比才易发挥不同要素各自的功能，取得相得益彰的效果。要素之间缺乏对比的织体，其音响很可能是混成一团的。

八、乐队音响的涨落要与乐器的进入和退出联系起来。当需要乐队音响逐步增长时，应随着乐器的渐次进入，使音区不断扩张、织体逐步加厚反之，当需要乐队音响逐步消退时，应使乐器渐次退出，织体逐步变淡、变薄、稀疏。那种仅仅依赖力度符号的改变依赖演奏上强弱变化来获得乐队音响涨落的做法，往往是徒劳的。

九、慎用齐奏和全奏。总谱不可写得太满注意“留白”。这是“保护”各种音色鲜明个性的最好办法。配器中运用不同的乐器，有如绘画中使用不同的颜色。红、黄、兰三原色，单独使用，对比鲜明。红黄混合成橙色，黄兰混合成绿色，也很有特点。但如果不分青红皂白，将所有颜色混合在一起，即成为灰色。同理，乐队中的乐器音色各异，齐奏全奏过多，总谱写得太满，甚至所有乐器从头到尾不间断地使用，给人的感觉是灰调子，无变化，无个性，缺乏表现力。

十、力求每一个声部都生动流畅有趣味。不论主旋律声部、副旋律声部、和声低音以及和声内声部都应力求生动流畅有趣味，千万避免某一声部长时间无变化的枯燥乏味的写法。

Alesis · 发表于 2005-7-11

二、各种乐器声相的安排

知道什么是声相吗?通俗的说，就是各乐器在整个乐队中远、近、左、右的安排。用电脑音乐系统制作音乐 ,你可以随心所欲的设计使用音色和空间 ,不必顾忌与现实是否吻合。可以把任意一个音色置于你想象中的远、近、左、右任意一个位置。制作精良的音乐作品 ,会使你在欣赏音乐的同时 ,能够明显的感觉到每件乐器的位置所在 ,并且好象身临其境的位置于一个美妙的声场空间中。

制作从远到近。一个声离你越近 ,音量越响 ,声音越亮 (高频成分越多 ),音色越“干”(直达声越多 )。相反 ,声音离你越还 ,音量越小 ,声音越闷 ,音色“湿”而越显含混 (反射声越多 )。一个乐队的“景深”和纵深感的形成与此有关。如何把各种乐器按演奏需要尽可能合理地拉宽排开并非难事 ,但如何拉开乐器前后的距离并产生纵深感则要结合混响。当你把某个声部混响加大时 ,这个声部的发音点肯定就会听起来觉得远一些 ,这样 ,当我们把不同声部的混响值设得不一样时 ,它们就产生了前后的距离感。利用这个原理可以在安排左右声像的同时把前后声像也安排出来 ,乐队就有了纵深感和层次感。你可以为不同的乐器音色做不同效果处理 ,模拟或制造出-个“真”的或“假”的空间来。并可以设想乐队所处的演奏空间 ,它可能是教堂、音乐厅、房间等等。

在一般情况下 ,选择其中一种混响方式 (通常一次只能选一种 );也可能是创造实际不存在的特殊空间 ,比如想营造一种虚无飘渺、神秘和远古、太空的气氛等 ,这种空间运用实际上是作曲家想象出来的。乐队应该是主体的 ,有前后 ,也有左右。因此你要为每一个乐器增减适当的混响。这是制作一首乐曲所不可忽视的手段。可以为某些声部临时插入完全不同类型的效果。也就是说假设一个人在大教堂中演奏 ,而另一个人在一个小房间中演奏 ,虽然俩人所处声场截然不同 ,但却是一首乐曲中的两个角色。听起来会感觉与众不同。这种“跨越时空”的声音处理手段对非常规音乐作品的制作有时非常有用 :

1 、乐队的声像安排各不相同 ,爵士鼓组因厂家己预置好 ,原则上不必再改动。零碎打击乐器可酌情安排。

2 、低音乐器 ,如电贝司根基与声音定位不明显一般放在中间。

3 、作为织体的吉和 (电钢琴音区相近 ,可适当左右对称。

4、小提琴则偏左 ,大提琴偏右。

5、遇到大段的独奏声部 ,可适当考虑中间附近安排。

6、其余乐器的作用也注意在音乐进行中原则上保持左右声部的大体均衡 ,不能长时间的偏移一边。

Alesis · 发表于 2005-7-13

三、合唱效果的使用

合唱效果的使用

合唱效果能有效地加厚音色 ,单个乐器会因合唱效果器的调大而变得饱满圆润 ,群感类的音色会因加大合唱而显得深厚宽广。所以在后期音色的修饰上要仔细的调整各轨的音色的合唱效果。需要注意的是不能盲目的增大合唱参数 ;因为那样会使有些音色由于过于沉厚而走样 ,整体效果也会因各音色的偏厚而损失高频 ,听起来感觉发闷 ,混浊且层次感差 ,所以大原则是首先照顾群体类音色 ;其次才是个性化的音色。而且有些个性较强的音色加多了合唱效果反而会过于做作而显虚假 ,如木管组乐器、竖琴、钢琴等。

合唱效果在电声乐器的配器中 ,尤其在吉他类乐器中几乎是必不可少的(电贝司除外 ),加上后那种丰满的杂音 ,宽阔的声场在奏分解和弦时及在加失真等效果的 So Io(独奏 ) 吉他上都能产生理想的好效果。打击乐器在加合唱效果时则要区别对待。大多数情况下加大一些的合唱效果是很好的。颤音效果的三个参数项:颤音速度、颤音深度、颤音延迟。延迟数值小是发音后马上就颤 ;数值

大时是发音后一会儿再颤起来。颤音的制作与乐曲风格、乐器种类等有关。滤波器包括两个参数 ,平时缺省设置都是 0 ,调制范围是 - 64至十 63。

  1、截止频率 :调高时声音度亮而薄 ;调低时音色变闷而暗。

  2、谐振 :高数值会产生“喵喵”时的效果 ;低数值时只是变闷而暗。调制这两个参数可以有效地加工铜管乐器 ,节奏吉它 ,独奏吉它等 ,提高声音亮度 ,使铜管变尖锐脆亮 ; 制造它的特殊效果等。其他各种音色也会因调制这两个参数而产生一些意外的变异和特殊效果。声音包络线这部分更是属于音色编辑范畴的。

  3、起音时值加大会使音头变硬 ,减小使音头变软。

  4、衰减时值 ,在按住琴键时 ,加大会使声音延迟消失 ,反之则声音失快。

  5、释音时值在拉开琴后产生上项效果。

   控制器作为一种 MIDl信息 ,在丰富 MIDI音乐的表情 ,创造真实感方面起着重要的作用。所有的音符如何发音 ,音色的亮暗 ,强弱 ,颤音等技巧变化 ,乐队整体的音响效果 ,都可以由控制器决定。如果制作 M1 DI音乐不考虑控制器的设置 ,其结果必然是呆板生硬的。调音台是后期制作必不可少的一项重要设备 ,用它进行后期制作 ,将前期录音过程中获得的音频信号通过调音台进行混音合成处理。

Alesis · 发表于 2005-7-13

四、和弦新论

传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说:把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是:听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。

和弦标记

本教程采用字母和弦标记法来表示和弦。这是流行音乐中通用的标记法，把它和级数标记法结合使用会感到很方便，能使你很透彻地领悟到不同调的和弦的相互微妙的关系，好象你的脑子里就有一张和弦表。下面我们就来熟悉这个标记法。

1、大三和弦:根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。

2、小三和弦:根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。

3、增三和弦:根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。

4、减三和弦:根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。

5、大小七和弦:在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。

6、大大七和弦:在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.

7、小小七和弦:在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.

8、小大七和弦:在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.

9、减七和弦:在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.

10、半减七和弦:在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5.

11、加音和弦:它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，(LA是基于C和弦的加音)，FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.(C和弦省三音加四度音)。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。

12、指定和弦根音:就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。

Alesis · 发表于 2005-7-13

各级和弦的功能

流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。

下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个:C,Dm,Em,F,G,Am,Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也下属和弦，5级和弦也称属和弦。接下来是每个和弦的属性，很重要哦!

C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。

Dm,即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。

Em,即3级和弦，也是一个十分柔和的和弦。音乐的进行中有了她马上就会变得柔美而略带忧伤。1-3-4的进行，也即在C大调中的C-Em-F是一个很常用的进行。乐曲中本来用1级和弦的地方有时可以考虑换成3级和弦，音乐立即就不强硬了。港台音乐中这种手法很常用。

F,即4级和弦，大调中的又一正三和弦，属于骨干和弦之一。它十分明亮，让人感觉心胸开阔，有一种一下子“飞”起来的感觉。我们听到的美国乡村乐和描写西部大草原和大峡谷的歌曲都使用4级和弦来表现。1级和弦后面跟4级与跟3级和弦是绝对不同的。

G,即5级和弦，大调中的第三个正三和弦，任何一首歌曲都不可缺少。它起着对主和弦支撑的作用。乐曲的终止感就是由5-1这样的进行产生的。当然现代流行音乐特别是欧美音乐中不使用5-1终止的歌曲也很多，这正是流行音乐的特色，但5级和弦作为音乐的骨架和弦仍然不可动摇。

Am,即6级和弦，一个中性的和弦，如果把它作为主和弦那就是小调了。歌曲肯定会变得忧郁，悲伤。如果6级和弦出现在大调中的某些部分，那它起到的就是连接不同和弦的作用。6级和弦象一座桥，它前面可以接几乎所有的和弦，后面也是如此。它可以是和弦的进行连贯，不呆板。1-6-4-5是极为常用的进行，事实上就用这四个和弦就可以写歌了。

Bdim,即7级和弦，在流行音乐中很少用。因为它是减三和弦，有一种向里收缩的紧张感，一般只在某些特定进行中使用，或是为了根音的流动而使用。

在了解了上述和弦的属性之后，大家就可以尝试为歌曲配和弦了。不过这是一个长期探索和实践的过程，能否配出基本正确的和弦不是寥寥文字可以教会的，也不是本教程的目标，我们的目标是配置出更好更优美的和弦，我们不该停留在对与不对的层次上。就我个人经验而说，如果你能做到以下几点，那你就向编曲大师跨出了关键一步:

1、能在一遍内听出歌曲的基本调内和弦(即1，2，3，4，5，6，7级和弦)

2、对歌曲常用的离调和弦比较敏感，一般也应当在1到2遍内分辨出其离调和弦。

3、看乐谱上的和弦可以想象出其音响效果，如果别人演奏错误，能马上察觉。

4、看一条单旋律，不用任何乐器，在心里能为它配和弦。

我们现在的流行音乐体系是纯西方的，旋律与和声地位同等重要。如果对和声不进行系统的研究，是难以制作出优秀的现代音乐作品的。

Alesis · 发表于 2005-7-13

各级变化和弦

接下来我们要为歌曲配置更优美的和弦，使音乐更流畅。这就要用到各种变化和弦。关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说，如果一开始就被灌输有关离调的系列理论，恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中，我采用了一种比较直观的说法，关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。

注:所有和弦转位都沿用传统名称，第一转位称六和弦，第二转位称四六和弦。

1，主四六和弦(K46和弦)

这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下，如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音，你肯定会感觉很奇怪，你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C(这可是很常用的结尾哦)我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G(主四六和弦)倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是最经典的终止式。

2，二级六和弦

二级六和弦是二级和弦的第一转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。大家会发现它与F和弦(四级和弦)只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，DO。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的“飞”起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要保证有1-4级进行的和声效果，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了!这就是二级六和弦要达到的效果。

3，大二级和弦

这实际上是一个离调和弦，不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦(五级和弦)，也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦最重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段效果是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA(首调)则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲(如《今宵多珍重》)都会在属和弦前使用大二级和弦，大家可以去仔细地分辨一下。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性

Alesis · 发表于 2005-7-13

五、小型配器中的乐器结合

我们常常可以看到，有许多配器结合往往是管乐器的音色占优势，弦乐器在很大程度上都被溶化到管乐器的音色里。我举一些最普通的情况∶

1、小提琴声部，如果同二支Ob在最富持色的中低音区同度结合，只会使Ob的音色更富于轫性和稍柔和一些而已，不会改变后者的音色。

2、单簧管与大管同度结合，在用中提琴加以重叠时，可以得到比较流动的音色，并且稍带暗淡的色调。

3、小提琴相隔八度的分奏，重叠二个双簧管和二个长笛八度演奏，可以使后者的音色变得非常柔和。

以上例子大家可以在做MIDI的时候进行试用，听一听有什么不同了.要知后一课......下回分解。

同类管乐器的同度结合

为了比较系统地论述同类乐器的同度结合起见，以下都从乐队的三个应用音域来谈这种结会合∶低音区、中音区、高音区。

1、低音区从A2-B2--C

2、中音区从C--C2

3、高音区从C2--更高的在小字4--5组的所谓最高音

低音区

小型管弦乐队配器只有大管或法国号可做同类管乐器的结合，二个或三个大管在低音区同度结合可以发出美妙的浑厚的音色。所得出的音色厚实、严峻，但有些粗糙。二个法国号在低音区的同度结合也是配器法中同样有趣的手法。在弱时他们的声音柔和迷人，很象管风琴的低音。四个法国号齐奏可以形成浑厚、丝绒般柔和的音色。法国号的发音有些慢吞吞地，这在低音区特别显著，用它演奏大提琴味的乐句会发出沙哑的、非常笨拙的音响，因而刻划出一幅漫画般的形象。

中音区

几支长笛在低音区的同度结合发音虽然冷冰冰的、但很柔和而带有几分神奇的色彩。这里用来表现苦闷、淡漠、一种象石头般沉重的忧郁交织的感情是再好不过了。如果只用一支长笛，那不仅音量不够，而且在表现上也不合适。三支长笛会发出厚实、抽象而冷漠的音色，充满了言语难以形容的复杂感情。四支长笛齐奏显得特别神秘和阴沉。三支单簧管的齐奏发出均衡而冷冰、刚强、灵活的音色，效果是惊人的。

高音区

在这个音区可以有长笛的、双簧管的、单簧管的结合。二支长笛同度结合通常是加强在高音区的旋律，最常见的情况是二个八度平行陈述:几友双簧管在高音区齐奏相当罕见，因为在高音区音色干巴巴的有点象唢呐。单簧管三支在高音区齐奏就不同了，会发出强烈的声音。

Alesis · 发表于 2005-7-13

非同类管乐器的同度结合

大家在做MIDI的时候，一定要注意∶三个音区都可供非同类管乐器的同度结合，只有高音区小字四组和低于B2音的低音区例外。非同类结合的目的是∶

1、加强织体中某一声部的声音，由于补充了有比较强烈和鲜明音色的乐器使该声部的声音加强了。

2、软化音色，把音色柔和的乐器附加到音色强烈的乐器上。

3、造成特殊的色彩，混合不同的音色以形成与纯音色迥然不同的新音色。

以上所举的原因，归根结底是得出所谓“复杂”的新音色，但在MIDI制作中，复杂音色都起特殊表现作用。在某些情况下，配器者只需要达到加强或软化旋律的音响，另外就是配器者从音乐刻划出发，探求独特的音色做为富于个性的表现因素。因为∶“色彩”揭示了配器的主题性质。上述前一种情况下，形成“复杂”音色的纯音色在某种范围内可以用其它纯音色来替换、好象是一种变奏。而后一种情况下，丝毫不能替换，因为∶改变“复杂”音色的组合就会引起配器性质的改变。在任何情况下都必须明确自己根据“乐思”的深刻了解而产生的意图。

两种不同音色的管乐器的同度结合

1、在制作MIDI的低音区

大管+低音单簧管，在速度中庸的配器进行中音色真是其妙无比。大管+法国号，在配器中给人以柔和松软的印象、飘飘然的感觉。低音单簧管+法国号，配器中带有冷冰冰的、严峻的色彩，但需要在非常清澈、轻盈和稳定时很适用。以上的配合在MIDI制作中是很自然很有效果的。

2、在制作MIDI的中音区

大管+单簧管，一般会形成比较安溢、宽广柔和的音响。单簧管+法国号，给人以比较阴晦、严肃的印象。法国号带弱音器，在PP时会带有纤细和稍泛银光的色彩。小号的低音区同单簧管的音色结合，使小号的音响更缜密而富于轫性、减弱了小号特有的金属味、音色柔和而浑厚。

3、在制作MIDI的高音区

在高音区除了上举的结合，管乐器和小号的结合很常见十，从小字二组到C2都可做结合。

Alesis · 发表于 2005-7-13

六、电子音乐的制作过程

一、当然是先进行和声设计了。有了前面的描述，相信大家已经能把一首乐曲的和声设计出来了吧。

二、制作鼓轨。(本人以前打过架子鼓，所以对于鼓的制作还是比较有心得的。如果没接触过这种乐器也不要紧，大家可听听各种MIDI音乐中的鼓，听一下它的基本节奏，它的加花，然后扒成乐谱进行分析，你就可以套用了。当然如果你用TT的话会更省劲，可以直接用一种伴奏型，不过，有种呆板的感觉，总不如自己设计的显得灵活。)

三、打击乐制作完后，可以考虑再制作bass轨。

bass的几种进行方式:

1、长音式:1---|5---|。

2、节奏式:1 . 1 . 1 |5 . 5 . 5| 或者:1 1 1 1 | 5 5 5 5 |

3、旋律式: 1 - 2 3 | 5 - 4 5 | 1 - 2 3 | 5 - 4 5 |

4、音型式:6 6 6561 | 6 6 6561 | 2 2 4245 |

我建议在做一首伴奏音乐之前，先把主旋律做成一轨。这样，可以给我们一个提示。很有好处。

四、背景和声(长音)

现在已经有了三轨音乐:主旋律、鼓、bass。那么大框已经出来了。我们可以再加入一轨背景，通常是弦乐或是类似的柔和的合成音色。

你可以整首乐曲都飘着背景。也可以在高潮部分加入。或者是在你觉得舒服的地方加上。随便。

背景的好处是可以增加伴奏的厚度，如果你的和声设计得好的话，可以非常饱满。有一个好处是增加一种协调、柔美、舒缓的感觉。

和声背景一般是和弦长音，也可以走一点小的旋律变化，一般是在第四拍上出现。

五、节奏和声。(节奏型)

钢琴在这里经常既起到一个节奏和声的作用，又起到一个小过门的作用。

节奏和声可以用很多乐器来演奏。比如闷音吉他。节奏和声一般走比较有规律的节奏音型。

比如:0x 0x 0x 0x | 0x 0x 0x 0x | ,

0 x 0x 0 | 0 x 0x 0 |,

x . x . 0 | x . x . 0 |,

等等，这里，x表示一个音符或一个和弦，0表示休止符，二者连在一起表示分别是8分音符，二者加起来是一拍。没有连起来表示分别是4分音符，都是一拍。

六、做点小过门。

在前面四轨(主旋律、鼓、bass、背景)已经完成的情况下，加上上面的节奏和声，有时候一首音乐的制作也就完成了。

小过门可以让我们的音乐有一个承前启后的作用，一般用于上下乐句之间的连接。

用小过门最泛滥的，就是我们的民族音乐，如果没有小过门，好象一首音乐就不完整了似的。

小过门有个好处，可以给歌手一个喘息的时间。但现在的Rap音乐歌手好象都不需要这个，他们有一种不需要喘气的特异功能。

Alesis · 发表于 2005-7-13

midi鼓轨的制作

谈谈MIDI制作中鼓轨的制作方法。在MIDI制作中，无论乐曲是流行音乐，摇滚乐，爵士乐，还是芬克等等，鼓轨的制作都很重要，因为，鼓轨是整个乐曲的节奏框架，是主要节奏乐器，作这样的乐曲，最先做的轨应该是鼓轨。

鼓轨又分套鼓轨和其它打击乐器轨。制作鼓轨的分轨要视MIDI系统的情况而定，能做鼓轨的音源越多，鼓轨的平衡和混音就越好做，音色的选择就越多。但是今天我就讲讲最难做的只有一个音源一个通道的鼓轨作法，这个会做了，多通道的鼓轨作法就更容易了。

假定你的声卡音源是在端口一(PORT 1)，你的鼓轨在声卡的第十通道(channel 10)，我们先在音序器软件(如CAKEWALK)中打开若干轨，都设定为PORT 1的CHANNEL 10，这样我们就获得了在同一端口下的同一MIDI通道中的若干个逻辑轨，做的越细，开的逻辑轨就要越多，甚至每一个打击乐器都要开一轨。不过，一般用以下的分轨方式就可以得到较平衡的逻辑轨了。

1.BASS DRUM(脚大鼓)，2.snare drum(军鼓)，3.HI-HAT(小立钗)，4.SYM(各种吊钗)，5.TOM-TOM(通通鼓)，6.CONGA(康加)，7.TAMB-CLAV-COWBELL-TRIA(铃鼓，响棒，牛铃，三角铁)，8.其它。这样的分逻辑鼓轨的方法，八轨就可以了。

第一步做BASS DRUM和SNARE DRUM，这两个鼓最好同时做，因为这是构成基本节奏的两个乐器，以错开为主，不能奏同一节奏点，这是一个原则，除非你有特别的设计(如TANGO节奏，进行曲等)，四四拍一般两个小节为一个循环，少用一个小节不断反复，同一节奏型也可在第二小节比第一小节做一些小的改动，比如在最后一拍加一记脚鼓或军鼓的小碎点，还有一些方法比如，第二小节的第一正拍不做脚鼓等，总之两个小节的不同之处要明显而有创意;

第二步做小立钗，要考虑到真实演奏的效果，在军鼓通鼓点密集处要错开使用或不用，如果脚鼓军鼓构成的基本节奏型较工整，小钗可节奏碎一点，比如出现一些前后十六分音符和小切分，如果基本节奏型切分较多或不太方整，小钗要均匀等值些，比如持续八分音符或十六分音符;还有小钗力度要有不同，不要一直是一种力度，比如可以做一记强一记弱。

第三步做吊钗，大钗使用一般性原则一是在通鼓后的强拍，二是强化旋律中的强音，三连音等，三是在有的节奏型中强化脚鼓或军鼓，钗顶的音色有时可代替小立钗用，有时可根据需要选用中国钗的音色，碎钗选用一种延时较长的钗声，用分步录音的方式，再修改力度，吊钗的音色可多选用几种，尤其在较大密度使用时，不要给人感觉你只有一面大钗，

第四步做通鼓，一般用于FILL IN，有时低通可用来当民族大鼓打，高通可以当康加打，

第五步做打击乐器，铃鼓的用法有几种，一可用于强化军鼓点，二可单独用于代替军鼓的节奏，三可用于强化立钗点，用法同立钗，四可用滚奏的方式，康加的用法原则是弱奏用来打节奏，强奏用来错开基本节奏型，也就是说强音不要与军鼓和脚鼓重复，三角铁的用法同立钗，还可强化节奏的音头。

由于所有逻辑轨都使用同一MIDI通道，所以音量值(VOLUME)和声像值(PAN)是一样的，动一轨就是动所有轨，所以音量平衡就使用力度值(VEL)来调，今天就说这么多，请大家来补充，特别是鼓方面的高手，毕竟我不会打鼓。

一种方法是实录(REAL)，也就是用键盘弹，可以打开若干轨，但都使用同一音源的同一通道，比如都用第十通道(一般都是这个通道)，这样你可以在不同的轨里录不同的乐器，比如先开一轨录底鼓(BASS DRUM)和小鼓(SNARE DRUM)，再录一轨小钗(HI HAT)，再录一轨通通鼓(TOM)，再是大钗(SYM)，后是小打(PERCUSSION)，小打要是复杂的话再分几轨录。还有一种方法是步录(STEP)，也就是点有小脚印的那个钮，这个方法比较

covid · 发表于 2005-7-14

点赞了，好文章，不错啊，可以收藏学习了啊！~

AAudio · 发表于 2019-11-30

分享，学习了，谢谢楼主发布

aiyuelj · 发表于 2019-12-16

好文章点赞

音乐小天 · 发表于 2020-3-12

学习了~~谢谢楼主

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